Chong Bao Quan- The Bee

 “The Bee” is a stage adaptation of Yasutaka Tsutsui’s short story “Mushiriai”, the meaning is “plucking at each other”. It originally developed into a play by japanese playwright Hideki Noda in response to the 9/11 attacks. The play explores the hidden violence embedded in our life, questioning the boundaries between victim and perpetrator. In malaysian chinese language, the director and also once my teacher, Loh Kok Man revisits the work following his previous direction of “Red Demon”. The production is a collaboration between Pentas Project and W Productions, featuring an international creative team. 

The play follows the story of a man who returns home one day, then he discovers that a criminal has broken into his house, taken his wife and child hostage. The police tried many ways  to negotiate with the intruder, but no progress was made. Faced with desperation and helplessness, the man decided to break into the criminal’s home, taking the intruder’s wife as a hostage in return. What comes next is a prolonged and unsettling standoff between the two men, where the lines between justice and revenge begin to blur, until one side begins to concede.

One of the central issues explored in the story is the idea that “anyone can become a terrorist”. Inspired by the 911, the play challenges the traditional notion of who is a threat in society. At the beginning, the husband is portrayed as a normal working adult. But as the story progresses, he begins to mirror the actions of the criminal who broke into his home. The play invites the audience to observe how a victim can gradually become a perpetrator, and how a perpetrator can be viewed as a victim. When people are pushed to their limits, their sense of morality may begin to collapse. In extreme situations, even the most rational individuals might abandon their beliefs and become the person they never thought they could be. The drama also strongly criticizes the failure of law enforcement. In the play, the police are shown as exaggerated, so unhelpful and even ridiculous figures. They panic easily, avoid responsibility and abandon the situation without offering any solution. This reflects a deeper issue in many societies today, which is the public are lacking trust in government institutions. In Malaysia, there have been cases where victims were not taken seriously when seeking help from them. Some police stations even refused to let people enter if they were wearing shorts, asking them to go home and change first. These absurd situations create a sense of helplessness among citizens, they must use their own way. The play reflects this kind of tension and shows how such systemic failures can lead to dangerous consequences, where individuals act outside the law because they no longer believe in the system.

The performance in “The Bee” uses a realistic acting style, which makes the emotional moments feel honest and powerful. The cast were experienced actors such as Fai Chen, Thian Siew Kim, Yeo Lyle and more. One unique element in this production is that, except for Fai Chen who plays the husband, the other actors take on two different roles. What was truly impressive was how clearly they shifted between these characters, each role had its own distinct voice, body language and energy. The director Loh Kok Man, is known for his strength in directing realistic plays, and I have been following his work for some time since I was in my diploma university. In this production, it feels like he focused more on character development than on stylistic flourishes, this may cause his directing to feel a little less visually, but it allowed the story and characters to take center stage. I feel this balance was intentional, the pacing of the transformation, husband from victim to aggressor was carefully controlled. The director let the tension grow slowly, making the shift believable and heartbreaking. Towards the end of the play, the director used repetition, certain actions and lines were repeated again and again, creating a sense of being trapped in a cycle. It reminded me how violence and fear exist in our daily life, how anyone, as long as given the wrong moment, might become the next "terrorist." This circular kept us ending up in the same place, it made me reflect not just on the characters, but on the world we live in too.

“The Bee” is the kind of performance that slowly settles into your thoughts, it feels calm on the surface, but deeply unsettling underneath. Once we begin to understand the message, we feel the unspoken sense of danger it tries to reveal. This feeling doesn’t come easily, it is carefully built through symbolic staging, slow and intentional lighting changes, the subtle design choices that guide us toward the darker layers of society. The production asks us to look beyond what we see and to question how close we might be to violence ourselves. It challenges our idea of right and wrong, shows how fragile morality can be when fear and frustration take over. What impressed me most was how the performance didn’t rely on loud or dramatic moments, but rather on quiet tension and emotional transformation. It made me reflect not just on the characters’ choices, but also on our world, where safety and justice can sometimes feel like illusions. This is a performance that stays with you long after the lights go out.

KARSHEILA ELANGOH: Last Ride to Tomorrow

 

Pementasan Last Ride to Tomorrow, sebuah produksi tahun akhir oleh pelajar Fakulti Seni Kreatif Universiti Malaya, menyajikan satu pengalaman teater yang mendalam, menyentuh emosi dan menggugah pemikiran. Diarah oleh Nawfal Zamri dan diterbitkan oleh Twilight Theatre Production, karya ini mengetengahkan kisah pertemuan dua individu asing iaitu John dan Derrick di dalam gerabak kereta api, yang menjadi metafora bagi kehidupan dan perjuangan batin masing-masing.

 

Cerita berpusat kepada interaksi antara John, seorang pengawal keselamatan yang matang dan penyabar, dan Derrick, seorang pemuda yang sedang bergelut dengan kemurungan serta rasa kehilangan arah dalam hidup. Dalam suasana yang kelihatan biasa sebuah kereta api yang bergerak terungkap pelbagai lapisan emosi dan pandangan hidup yang sarat makna. John menjadi suara keinsafan, menyeru kepada kesyukuran dan tanggungjawab diri, manakala Derrick mewakili sisi gelap kehidupan yang keletihan jiwa, kekosongan makna dan kecenderungan untuk menyerah. Perbualan mereka bukan sahaja menyentuh hati, tetapi memberi ruang kepada penonton untuk menilai semula erti hidup, belas kasihan, dan kepercayaan kepada peluang kedua.

 

Dua pelakon utama berjaya menyampaikan persembahan yang sangat meyakinkan. Lakonan mereka bukan sekadar pengucapan dialog, tetapi penjelmaan jiwa watak yang realistik. Kehadiran mereka di atas pentas sangat kuat, menjadikan penonton terpaku dan larut dalam emosi yang disampaikan.

 

Rekaan set dan props yang minimal yang mewakili suasana kereta api digunakan dengan bijak dan cukup efektif. Gabungan pencahayaan yang suram dan dramatik pula membantu menghidupkan mood dan emosi babak. Tidak dilupakan juga pemilihan muzik yang sangat tepat dengan penuh nuansa, menyokong perkembangan cerita dan menguatkan naratif secara halus tetapi signifikan. Apa yang paling mengesankan ialah bagaimana setiap elemen visual dan bunyi disatukan untuk menekankan konflik dalaman kedua-dua watak. Gerabak itu bukan sekadar ruang fizikal, tetapi lambang perjalanan ke arah penemuan diri atau mungkin pertembungan terakhir dengan realiti.

 

Salah satu kekuatan utama pementasan ini ialah cara ia menyentuh isu kesihatan mental, kecenderungan bunuh diri, dan ketagihan alkohol dengan sangat berhati-hati dan berempati. Saya secara peribadi terkesan apabila pementasan ini memperkenalkan konsep Alcoholics Anonymous (AA), sebuah komuniti sokongan untuk individu yang ingin mengatasi ketagihan. Ia membuka mata saya terhadap pentingnya komuniti, sokongan emosi dan keberanian untuk memohon bantuan.

Pementasan ini memberi saya satu peringatan penting bahawa hidup tidak semestinya mudah, tetapi ia tidak seharusnya mengalahkan kita dari dalam. Dalam kata lain, “Never let hardship consume us inside out. Live your life to the fullest.” Mesej yang disampaikan melalui interaksi John dan Derrick sangat tulus, satu tentang berbelas kasihan, satu tentang kesyukuran dan kedua-duanya saling melengkapi.

 

Secara keseluruhan, Last Ride to Tomorrow adalah satu naskhah yang matang dan jujur. Ia menunjukkan bagaimana pelajar seni bukan sahaja mampu menghasilkan karya teknikal yang kemas, tetapi juga karya yang menyentuh jiwa, mencetuskan refleksi dan memperkasakan kesedaran sosial. Terima kasih kepada Twilight Theatre Production kerana berani mengangkat isu-isu yang sering disembunyikan, dan menjadikannya titik tumpu kepada persembahan akhir yang penuh nilai.

 

Sebuah perjalanan ke dalam hati manusia, yang layak dikenang lama selepas tirai ditutup.

 

Elly: Feminine Voices through "12 Angry Men" by Luminous Theatre

Despite retaining the original title of “12 Angry Men”, this immersive theatre production by Luminous Theatre boldly reimagines the classic jury drama through the lens of twelve female jurors.  The retention of the original title invites the question: why were men historically tasked with representing reason, debate, and justice? So, starring women and using an immersive format that brings the spectators into the deliberation room, this production converts the narrative into a present-day social commentary.

        As a graduation showcase for new actors, 12 Angry Men follows the core storyline of the original drama. A young boy is on trial for the alleged murder of his father, and the jury must reach a unanimous decision. At first, 11 jurors vote guilty, and one holds out. Bit by bit, as the emotional turmoil unfolds through discussion, the group approaches a different conclusion. The uniqueness of the production lies in its immersive setting: no stage existed, and actors sat with the audience, making every viewer the "thirteenth juror." Since it was an immersive theatre, the audiences were given some legal documents such as case files and evidences to refer. This idea has enhance the engagement of audiences which really immersing them to connect with the play.

        Unfortunately, the directional clarity was uneven in this play. The placement of actors amongst the audience first helped to build tension, but then opportunities such as the voting scene, with actors coming forward carrying chairs, felt off and unexplained.

        In addition, the acting was uneven. Several actors had voice-projection issues; some key lines could scarcely be heard. Pacing was irregular: sometimes lines were rushed, sometimes dragged, destroying the tempo of the play. A handful, however, did manage to articulate their characters' purposes in sincere and controlled manners.

        Through a feminist directing lens, the piece attempted to cover a spectrum of female experiences: protectiveness, trauma, doubt, and pressure. Sadly, these layers remained weakly developed without good direction.

        As a graduation production, it's quite bold. Women were put in the traditionally male roles of the jury, the societal relevance is nice. The implementation, unfortunately, was lacking. The cast needs much more vocal and emotional control, and the direction needs less of a loose understanding of storytelling in space. Some of the decisions, such as stylised theatrical movement, ultimately didn't meet the narrative.

        However, they should be commended for the proactive effort in defying gender roles and providing an opportunity for the audience to reflect. If they had executed it stronger, it would have made for a solid conversation around justice, identity, and truth.

        In conclusion, 12 Angry Men posed a quiet yet powerful question: What does fairness mean? Who is talking and who listens? The performance reminded us that justice is not only a verdict — it is collective responsibility.

a critic to The Bee by JC

 Revenge and the Unconscious

—A Psychoanalytic Criticism of The Bee

Introduction

Modern theatre often explores what happens when people face extreme situations. Loh Kok Man’s The Bee is one such play. It tells the story of a man, Iizuka, who loses control after his family is kidnapped. At first, he is just a normal person, but he slowly turns into someone violent and dangerous. The play is not only about revenge — it also shows how a person’s mind can break down under pressure.

In this essay, I use Sigmund Freud’s psychoanalytic theory to understand the play. I focus on three main ideas: the Id, Ego, and Superego, the idea of trauma and repetition, and how the unconscious mind appears on stage. I will look at three parts of the play: the problems in the story, the actor’s performance and the director’s choices, and the artistic style of the play. I will explain my ideas in four steps: description, analysis, interpretation, and judgment.

1. Description

The play begins when Iizuka’s wife and child are taken by a criminal. He goes to the police, but they do not help. Feeling desperate and helpless, he takes action by himself. He kidnaps the criminal’s family, hoping to get his own family back. But things go out of control. He becomes more and more violent and cruel. In the end, he becomes as bad as the criminal who hurt him.

The actor who plays Iizuka uses body movement to show his change. At the start, he is stiff and quiet. Later, he becomes loud, fast, and angry. His face and voice also change a lot. The director uses lights and sounds to show his feelings. Red lights appear when Iizuka gets angry. There is a ticking sound like a clock, which makes the audience feel nervous. A honeycomb pattern is shown on stage, which looks like a trap or a cage. It shows that Iizuka is trapped in his own mind.l

The set is very simple. There are not many props. The stage uses lights, video, and sound to tell the story. This helps the audience focus on Iizuka’s emotions and mental state.

2. Analysis

Freud said that the mind has three parts: Id, Ego, and Superego.

• The Id is the part that wants things — like anger, revenge, and pleasure. Iizuka’s violent actions come from his Id. When the police do not help, his anger explodes. He starts hurting others to feel better.
  
  
• The Ego tries to balance the Id and the real world. At first, Iizuka tries to be calm. He talks to the police and looks for a legal solution. But when that fails, the Ego loses power, and the Id takes control.
  
  
• The Superego is the part of the mind that tells us what is right or wrong. Iizuka feels guilty at first, but later he stops caring. He becomes colder and more dangerous. His Superego becomes silent.
  
  

Iizuka also shows repetition compulsion — a term Freud used for when people repeat their trauma again and again. Iizuka was hurt by violence, and now he repeats the same violence to others. This is his way of trying to feel powerful again, but it only causes more pain.

3. Interpretation

The play shows us that violence does not just come from outside. It also lives inside us. Iizuka does not become violent suddenly. His dark emotions were always there, hidden under control. When the world around him breaks down, so does his control. He lets the unconscious part of himself take over.

The red lights, the honeycomb, and the ticking sound are not just decorations. They show what is happening inside Iizuka’s mind. The honeycomb is like his thoughts — full of rules, pressure, and traps. The red lights show his anger and desire. The ticking sound shows time running out, or his fear of losing everything.

The play also shows a bigger idea: when systems like the police or justice fail, people might return to their animal instincts. Iizuka wants justice, but what he creates is only more violence. His story is not just personal — it is also about society.

4. Judgment

(1) Story problems

The story is strong, but Iizuka’s change from good to evil happens very quickly. The play does not give enough time to show his love for his family. So when he starts hurting others, the audience may not fully understand his pain. The emotional journey feels a bit rushed.

(2) Acting and directing

The director uses strong symbols and stage effects, which help show Iizuka’s emotions. The red lights and honeycomb patterns are powerful. But sometimes, the symbols are too clear and repeated too much. The play shows emotions, but does not always give us space to feel them slowly. Also, the actor’s emotions are very big — this is good for impact, but sometimes feels acted, not lived.

The actor breaks the fourth wall and speaks to the audience. This is interesting, but can feel too direct. It takes us out of the story and makes the play feel more like a warning than a journey.

(3) Artistic style

The play uses strong symbols: light, sound, color, shape. These tools help us see Iizuka’s inner world. But Freud said the unconscious is not clear — it is mixed, vague, and confusing. The stage design is beautiful but sometimes too clear, not strange or dream-like enough. More mystery would help show the feeling of the unconscious mind better.

Conclusion

Loh Kok Man’s The Bee is a brave and powerful play. It shows how a normal person can fall into darkness when life becomes too hard. Using Freud’s theory, we see how Iizuka’s mind slowly breaks down — first the Ego fails, then the Superego disappears, and finally the Id takes control.

The play uses clear symbols and strong acting to tell this story. Still, it could show more of Iizuka’s feelings, memories, and inner conflicts to make the journey feel deeper. Even so, The Bee asks hard questions: What would you do if no one helped you? When rules fail, can you still stay human?

In the end, the play is not just about one man’s revenge. It is about what we all hide inside — and what happens when we let it out.

BANGSAWAN CINCIN NAGA API BERHASIL DALAM KESEDERHANAANNYA

Oleh DANNY ALAMSYAH

Baru-baru ini giat di media sosial saya melihat gelagat manusia yang tidak dapat menerima pembaharuan dalam koleksi cerita-cerita teater bangsawan yang dipentaskan oleh penggiat-penggiat teater muda. Namun begitu, ini bukanlah perkara baru. Ada yang menyokong kepada penghasilan karya-karya baru tanpa mengira latar belakang ceritanya, sama ada berasal dari benua Nusantara ini atau merentas jauh lautan di seberang sana. Ada juga yang menentang dengan pandangan hilang identiti keMelayuan teater bangsawan kita. Pokoknya, sudah tanduskah kisah-kisah Melayu kita untuk dipersembahkan di pentas bangsawan?

Tidak kurang tempiasnya terkena pada pementasan teater Bangsawan Cincin Naga Api ini. Secara ringkas, Bangsawan Cincin Naga Api mengisahkan pengembaraan sekumpulan manusia dari pelbagai puak yang mendiami sebuah dunia fantasi dikenali sebagai Middle Earth yang cuba untuk memusnahkan cincin sakti milik Sauron yang punya ambisi menakluki dunia. Ceritanya mudah, tidak terlalu kompleks dan nyata saya kira karya yang berasal dari buah fikiran J.R.R Tolkien ini berupaya menarik minat penonton di luar sana.

Dari konteks penceritaan, naskhah yang diadaptasi daripada filem The Lord of the Rings ini saya kira masih lagi berpegang kepada konvensi bangsawan sedia ada. Jika dilihat pada pola cerita yang didirikan, wujud situasi pengembaraan, seterusnya ditunjukkan pengalaman diperolehi watak, unsur-unsur romantisme sewaktu perjalanan mencapai motif sehingga sedemikian juga wujud pula watak-watak stock-type wira dan wirawati, puteri, pahlawan-pahlawan dan watak jahat yang menjadi tunjang kepada unsur ketegangan penceritaan diakhiri dengan elemen kesaksamaan. Struktur plot bersifat episodik yang tetap sebegini pula seringkali ditonjolkan dalam mana-mana persembahan bangsawan menjadikannya sebuah bentuk teater yang unik dan istimewa berbanding teater-teater moden yang lain. Nah, maka di sini sudah saya bahaskan sedikit dari satu sudut, bahawasanya tidak menjadi masalah dari alam mana sekalipun cerita bangsawan itu dicedok, yang menjadi keutamaan, ciri-cirinya masih dikekalkan.

Tutur kata dan aksi lakonan dalam teater bangsawan sudah diketahui umum sememangnya bersifat stylized. Adalah menjadi suatu keistimewaan bagi persembahan bangsawan dalam menggunakan seolah-olah seni kata yang dicampur aduk dengan lagu dan tarian selain seni kata daripada campuran kata bual dan kata lagu. Dari sini, pertembungan antara kesemua elemen berikut mencambahkan unsur-unsur romantisme dalam percakapan antara watak. Saya yakin, pada yang menonton pementasan bangsawan ini, pasti jelas terlihat antara watak Frodo dan kekasihnya, Ella di permulaan awal cerita berkasih dengan menggunakan teknik seolah berbalas pantun dalam mengemukakan hasrat hati, atau berdialog dengan menggunakan rangkap yang mempunyai elemen puitis melalui ungkapan bunyi irama yang sama sekaligus menimbulkan efek bahasa berlagu ini.

Kontra dengan gaya moden, bangsawan sebagai sebuah persembahan teater cenderung ke arah menggunakan kesan pandangan spektakular daripada menimbulkan kesan, reaksi atau emosi yang mendalam kepada penonton. Rasional kepada pengaplikasian elemen spektakular ini mudah sahaja sebenarnya. Satu faktor nyata adalah kerana penonton sudah sedia maklum akan jalan ceritanya, bahkan lagi dengan kisah ini yang diadaptasi daripada trilogi filem epik Hollywood yang terkenal. Maka, penggunaan elemen ini lantas berupaya menarik minat penonton sekaligus mewujudkan satu pemandangan pentas yang magis dan menarik yang turut disokong oleh efek tatarias dan busananya. 

Dalam hal ini, saya kira muslihat pentas yang dilakukan oleh pengarah bangsawan ini bersifat sederhana, namun cukup sempurna dan menjadi di mata penonton. Tidak perlu diwujudkan set yang gah di atas pentas yang boleh bergerak bertukar menjadi raksasa atau efek letupan dan sebagainya yang seringkali gagal di atas pentas kerana kesalahan teknikal sekaligus menimbulkan satu pandangan menjengkelkan di mata penonton. Cukup sekadar menggunakan pelakon sedia ada, seolah-olah “diklonkan” di atas pentas tetapi kemudiannya muncul pula di belakang penonton. Cukup sekadar ton suara memainkan peranan bagi menyedarkan penonton di mana pelakon yang sebenar sedang berada dan cahaya pentas dalam mengaburi mata penonton bagi menjayakan elemen spektakular di mata mereka. Mudah tetapi menjadi. Dan satu lagi, itulah antara ciri bangsawan yang seringkali ditonjolkan.

Unsur lawak yang dipamerkan melalui pementasan bangsawan Cincin Naga Api ini saya kira tidak melebih-lebih dan tidak kurang juga penggunaannya sungguhpun tidak diwujudkan satu watak stock-type khusus bagi menyampaikan elemen lawak itu. Saya melihat dalam kalangan susunan watak-watak dalam bangsawan ini elemen lawak disampaikan secara sama rata bergantung kepada situasi dan keadaan di mana cerita itu berada dan apa motif yang mahu disampaikan. Ini boleh dilihat ketika berlakunya perbualan antara Frodo dan kekasihnya, Ella dan begitu juga gelagat Gimly yang mencelah disaat babak romantis antara Aragorn dan Puteri Arwen serta ketika perbualan melibatkan Gandalf dan Frodo di peringkat awal cerita.

Saya kira pembahagian sebegini merupakan satu langkah yang bijak memandangkan dominasi menggunakan sebuah watak yang sering digunakan dalam bangsawan-bangsawan lain cenderung memperlihatkan elemen slapstick yang melampau dan menjengkelkan. Sememangnya benar bahawa ahli lawak merupakan salah satu watak stock-type yang wujud dalam bangsawan. Namun perlu diingatkan di sini bahawa hanya apabila sesebuah bangsawan itu terlalu dilebih-lebihkan dengan elemen slapstick walaupun pada hakikatnya golongan penonton pada masa kini sudah maju pemikirannya menunjukkan petanda bahawa bangsawan sudah semakin hilang peminatnya dan pengkarya melakukan tugasnya sekadar melepaskan batuk di tangga dengan harapan tiket habis dipotong dan penonton hadir memenuhi kerusi bergelak ketawa dengan lawak yang kurang bijak. Kita sendiri sudah pasti tidak mahu bangsawan hilang dari muka bumi ini.

Secara keseluruhannya, saya terhibur sepanjang pementasan ini berlangsung. Tahniah kepada penulis dan juga pengarah teater ini kerana berjaya mementaskan sebuah pementasan yang menarik pada pandangan saya. Dan di peringkat akhirnya, pengambilan kisah-kisah luar diadaptasikan ke pentas bangsawan bukanlah sesuatu yang baru. Malah, dari awal bangsawan bertapak di negara ini lagi, kisah-kisah luar yang diinspirasikan daripada karya Natyaveda, Naytasastra, kisah-kisah epik Cina dan Eropah sudah lama digunapakai oleh golongan pengkarya bangsawan. Tidak timbul sebenarnya isu hilang identiti keMelayuan. Apa yang penting bangsawan itu konvensinya masih kita pelihara dan masih terus wujud sehingga ke hari ini.

Lagenda Santubong Sejinjang dalam Benua Igau

Oleh NUR NABILAH BANYUK

Kisah lagenda Santubong dan Sejinjang begitu popular sekali dalam kalangan masyarakat negeri Sarawak. Lagenda ini mengisahkan mengenai dua orang puteri iaitu Puteri Santubong dan Sejinjang yang dikenali sebagai penjaga gunung negeri Sarawak. Terdapat banyak  versi yang mengisahkan mengenai  lagenda ini dan salah satunya menyatakan bahawa pergaduhan antara Puteri Santubong dan Puteri Sejinjang ini terjadi adalah disebabkan oleh ketidakpuasan hati mereka kerana kedua-duanya ingin mendapatkan Putera Serapi yang menjadi pujaan hati mereka. Akhirnya, pergaduhan tersebut menjadi tauladan dan kedua-duanya disumpah menjadi Gunung Santubong dan Gunung Sejinjang oleh Raja Kayangan.

Kisah lagenda ini begitu mirip sekali dengan sebuah pementasan teater iaitu teater kontemporari Iban berjudul Benua Igau yang telah dihasilkan dan diarahkan oleh Asfaridah Umar. Adakah pementasan ini mempunyai kaitan dengan lagenda Puteri Santubong dan Sejinjang ataupun ceritanya mengambil inspirasi berdasarkan cerita tersebut? Daripada pengamatan saya, terdapat unsur-unsur yang sama digunakan dalam lagenda tersebut dengan pementasan teater Benua Igau ini. Hal ini kerana, perjalanan ceritanya turut mengisahkan mengenai dua beradik iaitu Laura dan Maya yang merupakan watak utama dalam cerita tersebut yang menimbulkan konflik pergaduhan antara mereka gara-gara disebabkan oleh seorang lelaki iaitu Andry. Pementasan teater ini telah dipentaskan pada 21 dan 22 April 2017 di Dewan Sri Budiman, UiTM Shah Alam. Pementasan ini secara langsungnya banyak mengetengahkan budaya Iban yang merupakan salah satu kaum di Sarawak. Satu pujian untuk pengarah dan ahli produksinya kerana mempunyai keberanian untuk mementaskan teater kontemporari Iban yang pertama di Malaysia.

Naskah ini mengisahkan mengenai kekuasaan yang ada di dalam kitab Benua Igau yang disimpan oleh Inik. Sekiranya kitab tersebut dibacakan manteranya, cerita yang mengisahkan mengenai dua beradik iaitu Maya dan Laura akan menjadi realiti. Ini juga berkaitan dengan Inik yang merupakan salah satu watak di dalam kitab tersebut iaitu Maya. Maya dan Laura telah diperintahkan untuk turun ke bumi bagi memberi kedamaian kepada penduduknya. Mereka telah membuat perjanjian dengan Raja Sempulang bahawa sekiranya mereka berdua bermusuhan antara satu sama lain, mereka akan dimakan sumpah. Namun, malang sekali kerana Laura dan Maya telah melanggar perjanjian tersebut. Mereka bermusuhan antara satu sama lain disebabkan Laura cemburu dengan kecantikan dan kelebihan yang ada pada Maya. Selain itu, Laura juga ingin merampas cinta sejati Maya iaitu Andry. 

Disebabkan cemburu yang melampau, Laura telah menculik dan mengurung Maya di suatu tempat dan akan melepaskannya setelah Laura bernikah dengan Andry. Maya berasa amat marah apabila dia mengetahui Andry telah mengingkari percintaan mereka dan membalas dendam dengan membunuh Andry. Maya juga cuba untuk membunuh Laura namun apabila mereka bertelingkah, sumpahan terus terkena pada mereka dan akhirnya Laura dan Maya juga mati di tempat kejadian. Akhirnya, kitab Benua Igau tersebut diwarisi oleh cucu kepada Inik iaitu Gelau.

Bahasa yang digunakan di dalam pementasan ini adalah Bahasa Melayu baku, Bahasa Melayu Sarawak, dan juga Bahasa Iban. Walaupun banyak dialog-dialog yang diucapkan adalah jelas, namun terdapat beberapa dialog yang masih sukar untuk difahami kerana mungkin menggunakan Bahasa Iban secara menyeluruh di dalam beberapa dialog. Seperti yang kita tahu, kaum Iban turut memiliki khazanahnya yang unik terutamanya dari segi pemakaian, alat muzik, tarian, dan juga cara pengucapan kaum tersebut. Jika ditinjau secara terperinci, pengarah telah berjaya mengangkat keseluruhan budaya kaum iban di atas pentas teater ini. Elemen tarian diselitkan dengan rapi dibantu dengan alunan alat muzik dari Borneo menjadikan persembahan ini tambah mengasyikkan. Set pentas yang tidak terlampau berat mata memandang, membantu perpecahan cerita antara dunia nyata dengan dunia kayangan.  

Namun, berlaku beberapa kekeliruan apabila lakonan di antara dunia nyata dan dunia kisah kitab Benua Igau tampak tidak berapa kemas dan jelas. Satu persoalan yang timbul iaitu adakah watak yang turun dari kayangan iaitu Laura dan Maya ini tidak meningkat usianya di dalam dunia kitab Benua Igau tersebut? Ini adalah kerana perubahan usia pada watak Inik ataupun Maya nampak mengelirukan terutama pada penampilannya. Perubahan watak ini digarap melalui perubahan fizikalnya di mana apabila watak Maya yang dilakonkan, pelakon akan melakonkan dengan fizikal yang tampak anggun manakala ketika melakonkan watak Inik pula, pelakon akan membongkokkan badannya untuk menjelaskan bahawa itu adalah watak Inik iaitu seorang wanita tua. Perubahan ini hanya ditunjukkan melalui pergerakan fizikal pelakon tetapi tidak pada penataan tatariasnya. Ini juga berlaku pada watak Laura kerana fizikal dan kesan tua pada wajahnya tidak ditonjolkan sama sekali sedangkan perubahan usia Andry diserlahkan melalui warna rambutnya yang sedikit beruban dan fizikal badannya yang membongkok. Walaupun begitu, lakonan yang cukup mantap daripada pelakon-pelakonnya membantu menutupi isu dan permasalahan yang timbul ini. Pemilihan dan pembawaan watak yang digalas oleh para pelakon, dilakonkan dengan sehabis baik dan berjaya menarik perhatian semua penonton yang hadir.

Secara keseluruhannya, jalan cerita di dalam pementasan ini mudah diikuti dan unsur-unsur tarian dan nyanyian menyerlahkan lagi daya kreativiti pengarah dan ahli produksinya. Taniah dan syabas kepada semua yang terlibat kerana telah berjaya mementaskan karya ini. Semoga pementasan seperti ini dapat digiatkan terutamanya dalam kalangan belia bagi menggalakkan masyarakat untuk mengapresiasi seni budaya dan warisan yang semakin lama semakin terhakis ditelan zaman. 

Agik idup agik ngelaban. Oo…haaa!

MESIN DAN KOPI: TEKNIK PERALIHAN WATAK YANG KURANG JIWA

Oleh MOHD ARIF SHAPIEE

Mesin dan Kopi karya dan arahan Harith Amirul telah dipentaskan di Revolution Stage pada 29 Mac sehingga 2 April 2017. Sebuah teater yang mengadunkan mesin dan kopi sebagai simbol kepada alam pekerjaan di syarikat-syarikat korporat. Karya ini mengisahkan tentang tiga individu yang bekerja di Terbit Barat Corporation. Kisah ini berkembang melalui kebahagiaan dan kesengsaraan yang dialami oleh Iqbal, Hanna, dan Hakim ketika bekerja di syarikat tersebut. Watak Iqbal dilakonkan oleh Aiman Afendy, watak Hanna dilakonkan oleh Nina Zainuddin, dan watak Hakim dilakonkan oleh Shamein Azlan.

Penulis naskah ini bijak apabila menjadikan mesin sebagai simbol kepada masalah dan tekanan yang dialami oleh pekerja dan kopi sebagai simbol kepada keadaan pekerja melepaskan tekanan kerja. Mesin fotokopi menjadi masalah kepada pekerja-pekerja di Terbit Barat Corporation kerana hanya terdapat sebuah sahaja mesin fotokopi yang disediakan dan para pekerja terpaksa menunggu giliran untuk menggunakan mesin tersebut. Ketika cerita dimulakan, ketiga-tiga watak sedang beratur untuk menggunakan mesin tersebut. Ketika itulah penulis telah memberikan petanda kepada masalah-masalah yang dialami oleh watak-watak tersebut. Sebagai contoh, watak Hanna diraba, Iqbal dibuli, dan Hakim menjadi seorang yang baran dan sering marah-marah.

Manakala, pemilihan penulis untuk menjadikan kopi sebagai simbol kepada ketenangan juga amat sesuai, kerana kebiasaannya para pekerja akan melepak di kawasan pantri untuk merehatkan diri dengan meneguk kopi atau apa-apa sahaja jenis minuman yang mereka gemari. Dalam teater ini, penulis ada menunjukkan dalam satu babak pelakon sedang mengacau kopi di dalam gelas dan mereka melafazkan dialog dengan tenang. Ketiga-tiga watak ini amat tertekan dan apabila mereka melafazkan dialog secara tenang sewaktu mengacau kopi itu cukup jelas untuk menonjolkan hasrat penulis untuk menjadikan kopi sebagai simbol kepada ketenangan.

Tiga pelakon diketengahkan untuk melakonkan beberapa watak. Selain menjadi watak utama, setiap pelakon juga memegang watak-watak sampingan. Melihat peralihan watak yang ditunjukkan, ada yang berjaya dan ada juga yang kurang berjaya. Apabila Nina dan Shamein beralih daripada watak Hanna dan Hakim kepada watak pembuli yang membuli watak Iqbal, saya boleh katakan peralihan watak tersebut berjaya kerana gaya lakonan mereka tampak berbeza. Nina sebagai Hanna dan sebagai pembuli itu kelihatan seperti dua watak yang berbeza. Hanna dilakonkan sebagai seorang wanita yang lemah-lembut dan bagi watak pembuli pula Nina melakonkan watak pembuli itu sebagai seorang wanita yang bermulut lancang dan gedik. Namun, apabila Nina beralih kepada watak isteri Hakim, saya merasakan peralihan tersebut kurang berjaya kerana saya masih melihat perwatakan Hanna pada watak isteri Hakim. Seolah-olah Hanna ialah isteri Hakim, sedangkan isteri Hakim adalah individu yang lain. 

Begitupun saya berpendapat bahawa Nina telah berjaya melakonkan watak Hanna dengan baik pada pementasan kali ini berbanding pementasan teater Mesin dan Kopi yang pertama. Lakonan Nina pada kali ini lebih matang dan lebih menjiwai watak Hanna. Mungkin, penjiwaan watak Hanna itu terlalu kuat sehingga peralihan ke watak isteri Hakim itu menjadi goyah.

Shamein pula berjaya menunjukkan peralihan yang berkesan kepada watak pembuli iaitu seorang lelaki lembut yang bermulut lancang dan berhati busuk. Namun, ketika Shamein menjadi Hakim, saya kurang merasakan penjiwaan watak. Saya merasakan Shamein hanya melontarkan dialog, sedangkan watak Hakim merupakan watak yang sangat berat. Watak Hakim merupakan seorang suami yang bekerja di Terbit Barat Corporation untuk jangka masa yang lama tetapi tidak mendapat kenaikan pangkat mahupun gaji yang setimpal dengan hasil penat lelahnya. Beliau sering bekerja hingga lewat malam sehingga tidak mempunyai tidur yang cukup dan akhirnya beliau mengalami delusi yang teruk sehingga beliau percaya bahawa isterinya curang. Walhal, itu hanyalah delusi yang bermain di kepalanya. Kelihatan pada mata Shamein seperti beliau sedang menyusun bait-bait dialog. Beliau tidak bersatu dengan given circumstances yang telah diberikan oleh pengarah. Given cicumstances merupakan elemen aksi yang diketengahkan dalam Sistem Stanislavski yang bermaksud pelakon perlu melibatkan perkara-perkara yang dilalui oleh pelakon sewaktu mencipta watak seperti plot, zaman, waktu, dan tempat. Stanislavski percaya bahawa psikologi dan perangai fizikal individu dipengaruhi oleh pengaruh keadaan sekeliling. Maka, apabila pelakon sudah mengkaji dan membiasakan diri dengan given circumstances pelakon akan mampu melakukan aksi yang mempunyai sebab yang bersesuaian dengan keadaan sekeliling. Pada pendapat saya, sekiranya Shamein lebih membiasakan diri dengan given circumstances yang telah diberikan, beliau tidak akan kelihatan seperti sedang menghafal dialog dan terikat pada blocking yang telah diberikan atau kelihatan canggung di atas pentas.

Seterusnya, Iqbal merupakan seorang graduan sebuah universiti dan sewaktu beliau menuntut di universiti, beliau merupakan pengerusi kepada kelab anti buli. Hal ini telah diketahui oleh rakan sekerjanya di Syarikat Terbit Barat Corporation. Apabila rakan sekerjanya mengetahui akan perkara ini, mereka mula mengejek dan memperlekehkan Iqbal. Antara dialog yang dilafazkan oleh rakan sekerjanya adalah “Kau ni tak ada telur kah?” Sewaktu babak ini, Aiman berjaya memberikan reaksi yang tepat. Namun, saya merasakan Aiman hanya berjaya menguasai luaran watak Iqbal ini sahaja. Beliau kurang menjiwai jiwa watak ini yang membentuk perwatakan Iqbal. Beliau boleh menggunakan “Magic If” iaitu salah satu elemen aksi di dalam Sistem Stanislavksi. “Magic If” merupakan salah satu cara untuk pelakon mempercayai kemungkinan sesuatu kejadian. Hal ini demikian kerana, Stanislavski percaya bahawa seorang pelakon tidak mungkin mudah untuk mempercayai kebenaran dan realiti di atas pentas. Justeru, melalui “Magic If” ini pelakon boleh menukarkan tujuan watak kepada tujuan pelakon bagi meningkatkan kepercayaan pelakon terhadap kebenaran dan realiti di atas pentas. 

Tujuan saya mengetengahkan elemen aksi ini kerana saya melihat watak Iqbal ini dilakonkan seperti seorang lelaki yang tidak pernah dibuli. Sedangkan, watak Iqbal merupakan watak yang mempunyai sejarah silam yang teruk dalam kes buli dan kes tersebut sekali lagi menghantui dirinya. Aiman kelihatan melakonkan watak ini sedikit kuat seperti seorang leaki yang berani melawan pembuli. Walhal, itu bukanlah Iqbal. Peralihan Aiman daripada watak Iqbal kepada watak Dato yang mencabul Hanna pula, saya boleh katakana berjaya kerana terdapat perubahan perwatakan. Hal ini amat penting kerana perwatakan akan membezakan watak.

Kesimpulannya, teater Mesin dan Kopi pada kali ini masih mengetengahkan mesej yang sama tetapi diadun sedikit berbeza. Saya mungkin bersifat sedikit berat sebelah kerana saya lebih menggemari penyusunan pengarah pada pementasan Mesin dan Kopi yang pertama kerana saya merasakan pementasan pada kali ini agak terganggu tempo persembahannya kerana beberapa perubahan yang dilakukan. Namun, hal ini tidak menghakis kekaguman saya kepada naskahnya yang berjaya merakam zaman. Tahniah saya ucapkan kepada pengarah, para pelakon, dan ahli produksi lain atas hasil pementasan yang baik. Sebuah teater yang memberikan kesedaran yang diperlukan pada zaman kini. Tahniah, teruskan berkarya!

MESIN DAN KOPI: KREATIVITI SEBUAH RUANG YANG SEMPIT

Oleh INKKA NOOR HAZZLYNNDA KAMAL

Bertempat di Revolution Stage Studio Damansara pada 31 Mac 2017, teater berjudul Mesin dan Kopi dipentaskan di bawah Projek Bilik Sempit. Karya ini yang juga sebuah pementasan semula, telah ditulis dan diarahkan oleh Harith Amirul dengan penampilan para pelakon Shamein Azalan, Nina Zainuddin, dan Aiman Afendy. Dalam penulisan ini, saya memberikan tumpuan kepada pemerhatian ke atas beberapa elemen drama yang dipaparkan di dalam pementasan ini.

Plot teater ini disampaikan dengan tersusun, kemas, dan tidak mengelirukan. Watak-watak dicabar dengan tekanan di tempat kerja idaman. Karya ini menggambarkan situasi yang benar terjadi di dunia realiti. Cabaran di mana impian yang ada tidak dipenuhi dengan baik apabila berlaku tekanan akibat dibuli. Ketiga-tiga pelakon bukan sahaja membawa watak utama yang mengalami tekanan di tempat kerja, tetapi turut memainkan watak lain yang memberi tekanan kepada watak utama. Justeru, peralihan watak harus dilakukan dengan pantas dan teliti. Begitupun, peralihan watak tidak berlaku dengan begitu lancar dan meyakinkan. Para pelakon kelihatan selesa dengan watak utama masing-masing namun agak lemah apabila memainkan watak berbeza. 

Penggunaan kesan bunyi agak menarik, ia tidak keterlaluan malah bersesuaian dengan situasi yang dipaparkan. Efek muzik yang dipilih untuk bahagian permulaan dan peleraian cerita berhasil menimbulkan rasa yang berlainan. Harith mengemukakan set dan prop yang ringkas, kostum yang sederhana, dan tatacahaya yang paling asas. Namun, penggunaan yang minimal ini mampu menghantar cerita dengan lebih baik. Set yang berlatarkan tiga dinding, dihiasi pelbagai lukisan, yang mana semua lukisan itu melambangkan kehidupan setiap watak utama iaitu Hakim, Iqbal, dan Hana. Idea ini telah diaplikasi dalam cara yang menarik.

Persembahan ini memperbesarkan idea saya mengenai kreativiti bermain teater dalam sebuah ruang yang sempit. Mungkin kerana pendedahan saya sebelum ini banyak berlaku di ruang-ruang besar dengan penghasilan pelbagai idea yang besar. Namun projek bilik sempit ini memperluaskan pengetahuan saya untuk berkreatif dalam cara sederhana dan ringkas. 

KELEMAHAN VOKAL MENJEJASKAN PENYAMPAIAN CERITA BANGSAWAN CINCIN NAGA API

Oleh NUR AFIQAH HARUN

Pada 14 Mei 2017 bertempat di Auditorium Dewan Bandaraya Kuala Lumpur telah berlangsungnya pementasan Bangsawan Cincin Naga Api. Bangsawan ini merupakan adaptasi dan olahan semula daripada filem  Lord Of The Ring (Fellowship Of The Ring) oleh Roydy Rokidy dan diarahkan bersama oleh Khusiary Mahayuddin dan Roydy sendiri.

Bangsawan Cincin Naga Api mengisahkan tentang usaha sekumpulan manusia dari pelbagai puak di Middle Earth untuk memusnahkan sebentuk cincin yang mempunyai kuasa jahat Sauron, yang bakal menakluki dunia. Dalam perjalanan mereka menuju ke pergunungan Doom, pelbagai halangan dan dugaan dihadapi, terutamanya ke atas Frodo iaitu pembawa amanat memusnahkan cincin itu. Tanpa disangka, Raja Saruman yang dianggap sebagai penyelamat mereka telah berpaling tadah dan tunduk pada kuasa jahat Sauron. Gandalf yang mengetuai perjalanan itu akhirnya terbunuh, mengakibatkan yang lain-lainnya hampir putus harapan untuk menyelamatkan dunia. Sewaktu di dalam perjalanan, mereka bertemu dengan Smeagol (Gollum) yang boleh membantu mereka menuju ke pergunungan Doom melalui jalan pintas.

Penulisan ini memberi perhatian terhadap lontaran vokal para pelakon dalam pementasan ini, yang merupakan instrumen terpenting untuk menghubungkan para pelakon dengan khalayaknya. Agak mengecewakan kerana lontaran vokal para pelakon kurang memuaskan. Ada pelakon yang bercakap terlalu laju sehingga menelan dialognya sendiri. Ada juga pelakon yang melontarkan dialog seperti menjerit dan tidak melakukan projeksi dengan betul. Akibatnya, penonton tidak dapat menerima dengan jelas apa yang disampaikan. Begitupun pujian harus diberikan kepada watak Galadriel kerana projeksi vokal watak ini amat baik dan setiap patah dialog yang disebut dapat didengar dengan jelas, disertai penyampaian yang bertenaga. 

Secara keseluruhan, pementasan ini berjalan dengan lancar, hanya lontaran vokal yang kurang memuaskan membuatkan saya tidak dapat mengikuti perjalanan persembahan dengan jelas. Tenaga yang terhasil daripada projeksi vokal yang baik berperanan penting dalam mempengaruhi penerimaan khalayak. 

ISU BANGSA YANG TERTINDAS DALAM BANGSA KOYAK

Oleh M. KHAIRUDDIN SABRI

PADA 20 Mei yang lalu, saya meluangkan masa menonton teater berjudul Bangsa Koyak di Studio Revolution Stage. Pementasan ini diterbitkan oleh Dramatis Studio, sebuah kumpulan anak-anak muda di bawah bimbingan pelakon teater terkemuka tanahair, Rosli Rahman Adam. Ia diarahkan oleh Zayrul Iqwan Rosli dan ini merupakan sebuah naskhah baru tulisan Nurul Nasuha Nabila.

Bangsa Koyak  mengisahkan kehidupan lima watak yang hanya dikenali sebagai Orang 1, 2, 3, 4, dan 5, yang menceritakan keperitan hidup masing-masing akibat penindasan oleh kuasa manusia lain. Penindasan dikemukakan sebagai perkara yang sering berlaku dalam kehidupan masyarakat global apabila manusia memiliki kuasa dan wang ringgit. Pementasan ini sarat dengan sindiran dan kritikan secara halus dan terbuka seiring mesej yang ingin disampaikan oleh pengarang. 

Kelima-lima watak yang mengenakan pakaian seperti tentera dan juga orang biasa pada mulanya hanya bercerita sesama mereka, bagaimanapun kemudian berubah menjadi perbualan yang serius. Saya agak terganggu dengan aksi dan pergerakan berulang-ulang oleh para pelakon. Adakah ini disebabkan ruang lakon yang sempit atau tiada kawalan oleh pengarah? Begitupun para pelakon ini berani menyahut cabaran melontarkan dialog yang membawa mesej berat dan dapat pula difahami dengan jelas, meskipun rata-rata mereka adalah pelakon baru yang masih belajar bersama Dramatis Studio.

Melihat pementasan ini dari awal sehingga akhir, ketara sekali ianya bersifat kritikan dan mudah difahami. Sebagai penonton, saya sentiasa cuba mencari maksud-maksud lain yang tersembunyi di dalam setiap babak yang dimainkan. Contohnya mengenai dialog dan pengucapan, tiba-tiba di pertengahan persembahan secara tiba-tiba ia bertukar daripada stail pengucapan dialog biasa kepada gaya bangsawan. Ini agak menarik perhatian saya terutamanya apabila menyentuh semangat setiakawan dan juga perihal orang yang sanggup membunuh rakannya sendiri apabila beroleh kuasa. Walaupun dialog-dialog yang terkandung di dalam pementasan ini sangat jelas menunjukkan kepada siapa ia ditujukan, tetapi setiap aksi mereka menampilkan metafora kepada perkara yang memang terjadi di sekeliling kita. 

Kemudian kisah ini berlanjutan lagi sehingga mereka melakukan undian sesama sendiri bagi melantik seorang ketua dalam kalangan mereka dengan menggunakan cara demokrasi, yang mendapat tentangan daripada orang lain. Mereka terus mengadakan kempen termasuk mengajak para penonton untuk mengundi. Penulis mengemukakan kritikan melalui babak ini, bahawa janganlah hanya bercerita di tepi jalan sahaja tentang masalah pemimpin jika kita sendiri pun tidak mendaftar untuk mengundi. Ironinya, ternyata penonton yang datang boleh dikatakan memang tidak mengundi. Hal ini seolah-olah menjadi refleksi kepada laporan dalam akhbar Sinar Harian bertarikh 3 Mac 2017, berjudul “4.1 juta rakyat Malaysia layak undi belum daftar: SPR”.

Satu perkara yang saya suka apabila menonton teater-teater alternatif seperti ini ialah pementasan sebegini tidak memerlukan peruntukan kewangan yang besar. Ia hanya memerlukan pemikiran kreatif pengarah dalam menghidupkan jiwa pementasannya. Teater alternatif sebegini aktif di kawasan Kuala Lumpur dan rata-ratanya dijayakan oleh kumpulan teater anak-anak muda sekaligus menyumbang kepada kegiatan progresif kancah teater di Malaysia sejak akhir-akhir ini. Persembahan seperti ini juga memberikan alternatif kepada cara bermain teater, yang mana sesebuah pementasan tidak semestinya memerlukan elemen-elemen pentas yang hebat, cukuplah dengan kebijaksanaan pemikiran yang ingin disampaikan.

Saya melihat persembahan ini sebagai sebuah persembahan yang tidak terlalu baik dan sempurna kerana ahli produksi Dramatis Studio ini kebanyakannya dianggotai oleh para pelajar yang masih belajar dan sering bertukar ganti. Namun mereka sangat gigih berusaha untuk memeriahkan arena teater di Malaysia dengan menghasilkan banyak pementasan. Mungkin jika dapat dikumpulkan para pelajar terbaik yang dihasilkan oleh kumpulan ini, suatu hari nanti mereka akan dapat menghasilkan sesuatu yang menarik, siapa tahu.   

MENTAFSIR TANDA DAN MAKNA DALAM "KERIKIL"

Oleh VANIDAH IMRAN

KERIKIL membicarakan perjuangan dua puluh lima anak muda dalam menggapai impian mereka untuk bergelar graduan universiti. Kisah ini juga memaparkan perihal alam universiti yang bukan sahaja menjadi medan menimba ilmu tetapi juga mengajar tentang kehidupan yang penuh dengan pelbagai dugaan. Kebebasan dilihat daripada pelbagai makna yang berbeza. Bebas tanpa kongkongan dan leteran ibubapa, bebas untuk menentukan hala-tuju dan membuat keputusan sendiri. Namun, kebebasan yang dinikmati datang dengan tanggungjawab, sama ada kepada diri sendiri, rakan-rakan, para pensyarah, institusi pengajian dan yang paling utama, tanggungjawab kepada ayah dan ibu yang sentiasa berdoa tiada henti demi kejayaan si anak, di dunia dan akhirat. Pastinya onak duri dan suka duka, akan dilalui dalam menggapai impian mereka. Berjayakah kesemua anak muda ini bergelar graduan universiti? 

Semiotik di sebalik Kerikil

Persembahan ini mempunyai nilai yang menarik untuk dikaji daripada aspek visual, dengan menggunakan pendekatan semiotik. Penulisan ini akan menumpukan kepada pencarian makna menerusi babak-babak yang memaparkan pergerakan fizikal pelakon, beserta paparan imej pada skrin LED, khususnya pada babak 1,2,3,4,8,17 dan 19.

Saussure (1974) dan Mana Sikana (1998) mendefinisikan semiotik sebagai the science of life of sign in society, yang mana kesemua yang ada di dalam budaya boleh dilihat sebagai suatu bentuk komunikasi. Semiotik berasal dari perkataan Greek, semeion yang bermakna mengkaji sains umum dalam sistem perlambangan dan tanda (sign) di dalam kehidupan manusia. 

Tajuknya sendiri, Kerikil boleh dilihat sebagai simbolik kepada para pelajar yang memasuki alam universiti. Mereka datang dari pelbagai latar belakang dan pengalaman hidup yang berbeza. Atau ‘Kerikil’ juga boleh ditafsirkan daripada aspek lambang ikonik, sebagai jalan yang penuh dengan cabaran dan perjuangan yang bakal ditempuhi oleh para pelajar, demi bergelar graduan universiti. Ibarat berjalan di atas landasan batu-batu kerikil, yang tajam dan tidak rata, pasti akan ada yang jatuh dan terluka. 

Mana Sikana (1998) menyatakan bahawa lambang ikonik boleh membawa makna yang ambiguity kerana ianya boleh ditafsir dengan beberapa makna atau satu makna daripada beberapa lambang yang digunakan. Norzizi Zulkifli selaku pengarah dan penulis naskah ini, yang juga merupakan antara pensyarah bagi pelajar-pelajar tahun akhir Ijazah Sarjana Muda Fakulti Filem, Teater and Animasi, Universiti Institut Teknologi Mara (Uitm) ini, telah menggunakan teknik improvisasi untuk menghasilkan skrip tersebut.  Ini bermakna naskah Kerikil dihasilkan berlandaskan idea dan prinsip-prinsip di dalam pementasan teater melalui proses improvisasi dan perancangan yang terperinci. 

Semiotik percaya bahawa setiap karya yang dihasilkan oleh seseorang pengarang itu dikesani oleh persekitaran yang mengelilinginya dan makna-makna pula ditentukan oleh tanda-tanda yang dibuat secara jelas atau tidak oleh sejarah dan persekitaran budaya pengarang (Mana Sikana, 1998: 175).  

Babak 1 dan 2

Pementasan dimulakan dengan para pelakon berjalan masuk dari ruang penonton, menuju ke pentas, sambil menyanyikan lagu Wawasan Setia UiTM. Permulaan ini  mempamerkan kebanggaan dan semangat para pelakon (mewakili pelajar) bergelar mahasiswa universiti tatkala menyanyikan lagu rasmi UiTM. Mana Sikana (1998) menegaskan bahawa dalam kajian semiotik, setiap karya itu harus dilihat dalam konteks dirinya sendiri yang mana ia bukan sahaja menilai aspek dalaman karya itu sahaja, tetapi juga hubung-kaitnya dengan sistem luaran yang berkaitan dengan budaya dan masyarakat. 

Lagu tema yang dinyanyikan melambangkan semangat, budaya, dan tanggungjawab yang perlu ada pada setiap pelajar sebagai mahasiswa universiti (sistem dalaman) dan juga tanggungjawab kepada negara sebagai bangsa Malaysia (sistem luaran). Skrin LED di pentas pada pembukaan cerita menunjukkan bendera Malaysia yang bertukar kepada imej Bangunan Canselori UiTM pada akhir lagu Wawasan Setia Uitm. Penggunaan kedua-dua imej ikonik ini adalah sebagai tanda, yang mana bendera Malaysia melambangkan negara kita dan perlembagaan yang harus ditaati. Manakala bangunan Canselori sebagai salah sebuah institusi pengajian tinggi yang bernaung di bawah Kementerian Pelajaran Malaysia. 

Lambang semiotik diterima pakai oleh pemikiran manusia secara kelompok tertentu mahupun universal apabila manusia dengan mudah dapat memahami dan mengaitkan lambang dengan objek yang dilihat (Mana Sikana, 1998: 177). Warna yang digunakan dalam pementasan ini juga boleh diambil kira sebagai simbol yang mewakili elemen-elemen keperibadian, ‘mood’ atau kuasa (energy) tertentu. Kesemua pelakon berpakaian kasual, warna putih dan kelabu bergalaskan beg kain yang berwarna biru, hijau, merah, kuning dan ungu yang diletakkan di bahu, di selempang atau di belakang. Mereka juga membawa beg pakaian beroda (luggage bag) yang lutsinar. 

Keseragaman warna pakaian menunjukkan bahawa sebagai pelajar universiti, tiada jurang perbezaan status atau darjat yang wujud di antara satu sama lain. Manakala warna berlainan pada beg kain boleh diterima sebagai warna-warna identiti individu para pelajar atau tahap bebanan yang dipikul oleh setiap pelajar. Beg pakaian lutsinar kosong yang dibawa boleh memberi tanggapan bahawa pelajar-pelajar ini masih mentah dan ‘kosong’ dengan pengalaman hidup di alam universiti. 

Babak 3 dan 4

Babak ini menampilkan rutin pelajar setiap pagi sebelum ke kelas seperti pergerakan menggosok gigi, membasuh basuh muka, dan memakai baju.  Pergerakan diatur dalam kelajuan yang berubah-ubah mengikut mood dan masa. Imej di skrin LED memaparkan jam besar yang mana anak panah jam bergerak dengan pantas tetapi bunyi detikan waktu yang digunakan adalah bunyi anak panah jam yang bergerak mengikut detikan saat, sekaligus melahirkan kesan audio-visual yang cukup menarik. 

Dari kekecohan di pagi hari, ia bertukar ke babak di kuliah. Kerusi dan meja di tolak masuk ke pentas, dan para pelajar terus mengambil tempat masing-masing. Kali ini skrin bersilih-ganti antara nama kuliah dengan nota kuliah. Para pelakon bergerak pantas bertukar dari satu aksi ke aksi yang lain seperti membaca, menulis, membuka laptop, dan lain-lain pergerakan semasa di dalam kuliah. Penukaran di antara dua babak ini dilakukan berterusan tanpa henti dan dengan mengunakan bunyi detikan waktu yang berterusan. 

Imej jam di skrin LED adalah tanda kepada waktu/masa (penanda). Simbol/tanda boleh juga mewalili perkara yang batiniah seperti perasaan, fikiran dan idea mahupun yang lahiriah seperti objek, benda dan tindakan (Mana Sikana, 1998.178). Pergerakan yang pantas oleh para pelakon serta simbol waktu dan bunyi detikan yang dipaparkan mengikut detikan saat, menimbulkan impak kelam-kabut, kekecohan, dan tekanan kepada para pelajar. Ini menunjukkan betapa berharganya setiap saat itu, dan dengan nada detikan setiap saat yang mengiringi babak tersebut, ianya memberi impak ‘masa itu emas’ kepada para penonton.

Babak 8 

Di dalam babak ini, bunyi ketukan papan kekunci (keyboard) dimulai dari perlahan kemudian lebih jelas apabila lampu pentas terang sepenuhnya, dan menunjukkan aksi para pelajar dalam kesibukan membuat tugasan di komputer. Skrin LED memaparkan aksi jari-jemari menaip laju sambil menyelak helaian buku dan kembali menaip. Bunyi efek menaip diselitkan dengan muzik yang bernada laju. Para pelakon membuat pergerakan di keliling meja dan kerusi, dan kembali menaip, memberi makna mereka sedang bertarung dengan masa dan menghadapi tekanan dalam menyelesaikan tugasan universiti yang banyak. 

Apabila muzik menjadi semakin laju, imej di skrin LED bertukar kepada imej buku-buku yang jatuh satu-persatu. Semakin lama semakin banyak buku berjatuhan dan akhirnya ia menghempap pelajar, diakhiri dengan imej batu-batu kerikil di skrin pentas dan monolog dari salah seorang pelakon yang mewakili suara para pelajar. Monolog itu meluahkan keperitan yang mereka hadapi. Namun ibarat kerikil, walaupun kecil tetapi kuat, mereka tidak akan putus asa, tetap akan teguh berjuang demi untuk bergelar graduan universiti dan sekaligus menjadi kebanggaan ibu bapa, para pensyarah, serta pihak institusi. 

Pergerakan pelakon yang agresif dan tidak statik dibantu dengan imej paparan di skrin memberi makna yang jelas tentang babak tersebut. Imej jari-jemari mengetuk papan kekunci di skrin adalah simbol universal yang jelas bagi perbuatan membuat kerja atau tugasan dengan menggunakan teknologi. Kemudian imej itu berganti pula dengan buku-buku yang jatuh satu-persatu, yang mana buku-buku juga adalah merupakan simbol universal bagi ilmu pengetahuan, diakhiri dengan paparan batu-batu kerikil di skrin. 

Ketiga-tiga imej (simbol) yang dipaparkan silih-berganti ini, memberi penerangan visual secara langsung kepada para penonton. Dengan mengenal pasti simbolnya, khalayak akan segera menangkap maknanya. Peranannya adalah untuk memudahkan narasi atau deskripsi teks (Mana Sikana, 1998: 178).

Babak 17 

Ibarat berjalan di atas kerikil-kerikil yang tajam, walau terjatuh dan luka tetapi tetap akan cuba bangun dan terus berjalan. Babak ini dimulai dengan pergerakan fizikal berbentuk tarian oleh seorang pelakon. Skrin pentas memaparkan imej grafik yang abstrak dengan bantuan penataan cahaya bagi melahirkan imej yang mewakili emosi dan perasaan, dan dengan berlatarkan muzik yang intense untuk memberikan impak kekecewaan dan kemarahan yang sedang dihadapi. 

Pelakon melahirkan rasa kekesalan dan kemarahan kepada diri, namun cuba memotivasikan diri untuk bangun dan meneruskan perjuangan. Walaupun tubuhnya semakin berputus asa, namun dia tetap menggagahkan diri untuk bangun semula dan berjalan di atas kerikil-kerikil yang tajam. Dengan bantuan dan sokongan teman-teman lain, segala cabaran dan rintangan yang dihadapi itu dapat diharungi bersama. 

Menurut Mana Sikana (1998), semiotik menjurus kepada kajian di dalam bahasa teks yang mempunyai hubungan kukuh kepada sesuatu idea, fikiran, perasaan, keserupaan, dan perbandingan. Ini diperjelaskan lagi melalui kaedah tanda yang telah didasarkan secara sistematik oleh ahli falsafah Amerika, Charles Sanders Pierce, iaitu ikonik, indeks, dan juga simbol. Lambang ikonik merujuk kepada sesuatu idea, benda atau gerakan yang boleh dikenal maksudnya. Di dalam babak 17 ini, penggunaan warna hitam dan tona variasi kemerahan dan jingga serta imej abstrak dengan bantuan teknik lampu dan muzik latar yang sesuai, boleh dianggap sebagai antara elemen-elemen ikonik yang merujuk kepada idea-idea, benda dan gerakan bagi mewakili pergerakan emosi dan perasaan seperti marah, keliru, kekecewaan, semangat yang membara dan lain-lain. 

Babak 19 

Penutup persembahan mengulangi lagu Wawasan Setia Uitm seperti pada pembukaan pementasan, menampilkan pelakon berpakaian baju Melayu lengkap dan bersongkok bagi pelajar lelaki dan baju kurung bagi pelajar perempuan, dalam warna putih dan kelabu cair. Cuma kali ini, luggage bag yang dibawa bukan lagi lutsinar tetapi nyata dan berwarna-warni. Di pertengahan nyanyian, lagu berhenti seketika dan para pelakon membuka beg masing-masing, kemudian memakai topi graduasi - mortar board -  dan meneruskan nyanyian. Ketika ini imej di pentas dilatari gambar pelajar-pelajar dengan ibu bapa mereka semasa kecil dalam warna sephia. Akhirnya mereka berjaya bergelar GRADUAN UNIVERSITI! 

Pementasan teater Kerikil boleh diangkat sebagai sebuah mekanisme bagi mempengaruhi anak-anak muda untuk melanjutkan pelajaran ke peringkat universiti, sekaligus membakar semangat mereka untuk teruskan perjuangan walaupun jalan yang dilalui itu penuh dengan cabaran. Pada babak terakhir, penampilan para pelajar yang berbeza daripada ketika awal persembahan melambangkan transisi yang telah berlaku dalam diri mereka. Topi graduasi yang dipakai adalah lambang ikonik universal, digunakan oleh mahasiswa universiti di seluruh dunia yang menandakan mereka telah berjaya bergelar graduan universiti. Jika pada awal pementasan beg yang dibawa adalah lutsinar, namun pada babak akhir beg tersebut adalah lebih solid atau nyata,  melambangkan ilmu serta pengalaman yang dipelajari dan dimiliki oleh para pelajar sepanjang pengalaman mereka di universiti. 

Menurut Mana Sikana, sesebuah karya yang mempunyai sistem tersendiri melalui pengunaan sistem tanda atau kod, dapat menghubungkan sistem karya itu dengan sistem yang berada di luar karya. Dengan mengunakan pendekatan strukturalisme dibantu bahasa yang digunakan di dalam teater atau drama, mesej-mesej sosial, imej idea, dan falsafah tertentu dapat disampaikan dengan lebih mudah terutama jika ianya dekat dengan jiwa dan budaya para penonton. 

RUJUKAN 

Mana Sikana. 1998. Teori dan Kritikan Sastera Pascamodenisme. Penerbit Fajar Bakti Sdn. Bhd.