ADELEINA NURHANI: Tenggelamnya

 On 21 April 2025, I had the opportunity to watch Tenggelamnya, a compelling theatrical production staged at Revolution Stage, Petaling Jaya, as part of the Arti 2.0 competition focusing on climate change. Directed by Irfan Iskandar, the play featured a talented cast including Dila Abdul Halim, Sunio Rushairi, and Saiful Mikael. This review examines the production’s strengths and areas for improvement, focusing on acting, directing, and aesthetics. One of the most notable strengths of Tenggelamnya is its casting, which impressively brought together three generations of actors such as adults, youths, and children. This rare approach enriched the storytelling by providing a layered perspective on the themes of loss and memory. 

The actors’ varied ages added authenticity and depth, highlighting the continuity of grief and resilience across generations. This initiative not only enhanced the narrative but also contributed positively to the local theatre community by empowering performers of different age groups. The script itself is emotionally charged and impactful. It explores the profound experience of loss of a father, a wife, and ultimately a child and the struggle to reconcile with painful memories. The narrative’s emotional weight was effectively conveyed, inviting the audience to journey alongside the characters as they grappled with their grief. 

The production’s mature handling of these themes allowed the audience to connect deeply with the story. Director Irfan Iskandar’s vision was clearly reflected in the production’s smooth flow and audience management. The pacing generally allowed the story to unfold naturally, and the director’s interpretation of the script into a cohesive visual and thematic whole was commendable. Particularly impressive was the scenography, which used the stage space creatively to represent a home through geometric forms. This strong “make believe” element helped ground the story in a familiar setting, enhancing the audience’s immersion and understanding. 

 However, the production was not without its challenges. Despite the effective use of space and thoughtful composition, there were moments especially in scenes set within confined spaces like bedrooms where actor placement felt cluttered and uncomfortable. This congestion sometimes limited actors’ movements and affected the naturalness of their performances. Additionally, the pacing occasionally suffered from monotony, with certain scenes dragging and risking audience disengagement. A more varied pacing could have maintained dramatic tension more consistently. 

From an acting perspective, while many performers demonstrated comfort with their roles and the language of the script, there were instances where emotional intensity overwhelmed character objectives. At times, actors appeared to lose focus on their characters’ intentions, which disrupted the narrative’s emotional flow. This was particularly noticeable among the child actors, whose energetic performances sometimes lacked sustained character focus, affecting the overall coherence. The script’s repetitive elements, though not problematic in content, posed challenges for memorization and delivery, potentially impacting performance consistency. Streamlining these repetitions might improve clarity and maintain audience engagement. 

Finally, the set and prop management could be improved. Some elements appeared cluttered or underutilized, suggesting a need for better organization and purposeful use of stage resources to avoid waste and enhance functionality. In conclusion, Tenggelamnya is a powerful production that successfully conveys deep emotional themes through a well-rounded cast, mature direction, and meaningful visual design. Addressing issues related to actor staging, pacing, character focus, and set management would further elevate the production’s impact. Nonetheless, the play’s emotional resonance and thematic clarity make it a significant contribution to contemporary Malaysian theatre.

MUHAMAD ASRI MOHAMAD ZAMRI: Huminodun

Pementasan “Huminodun: Muzikal Puteri Nabalu” yang berlangsung di Auditorium Dewan Bahasa dan Pustaka (DBP) sempena sambutan Pesta Kaamatan tahun ini merupakan sebuah karya seni pentas yang bukan sahaja sarat dengan elemen budaya, tetapi turut menyentuh nilai kemanusiaan sejagat. Diadaptasi daripada mitos legenda masyarakat Kadazan-Dusun, pementasan ini menggambarkan kisah Huminodun puteri kepada Kinoingan dan Suminundu yang sanggup mengorbankan dirinya demi menyelamatkan rakyat daripada kelaparan dan kemusnahan alam. 

Secara visual dan teknikal, persembahan ini cukup memukau. Persembahan dimulakan dengan gambaran alam semula jadi yang tenang, diiringi dengan bunyian gong yang perlahan dan sorotan cahaya jingga yang menggambarkan suasana senja sebagai perlambangan pengakhiran dan pengorbanan. Pengarah teater, Nawfal Zamri, berjaya mengadun unsur tradisional Sabah dengan pendekatan visual moden yang menghasilkan suasana mistik dan sarat spiritual. Reka bentuk pentas yang sederhana tetapi simbolik memberikan tumpuan sepenuhnya kepada kekuatan lakonan dan irama muzik yang menyokong naratif. Queenenra Francine yang memegang watak Huminodun menyerlahkan watak tersebut dengan penuh perasaan dan kekuatan emosi. Ekspresi wajah dan nada suaranya menyalurkan kerelaan serta kesedihan watak dengan jujur, sekali gus memperlihatkan konflik dalaman yang meruntun jiwa. 

Penggunaan bahasa Kadazan-Dusun dan Melayu dalam dialog turut memberikan nilai autentik, walaupun terdapat beberapa kekurangan dari segi kelancaran sebutan satu cabaran yang wajar diberi perhatian tetapi tidak menjejaskan keseluruhan mutu persembahan. Keunggulan teater ini turut disokong oleh muzik latar ciptaan Shakkir Latiff yang menggabungkan alat muzik tradisional seperti kulintangan, gong dan seruling bambu dengan elemen moden. Gabungan ini bukan sahaja memperkuatkan suasana persembahan, tetapi turut memainkan peranan sebagai pemangkin emosi yang mengiringi perjalanan cerita. 

Koreografi arahan Hamid Chan pula ditampilkan secara minimalis dan penuh makna memperkukuh suasana ritual dalam upacara Magavau yang menjadi klimaks penting dalam persembahan. Dari sudut tema, Huminodun memperlihatkan nilai pengorbanan, kasih sayang, dan hubungan spiritual antara manusia dan alam. Pengorbanan Huminodun sebagai lambang kesucian dan harapan rakyat menjadi pemangkin utama kepada mesej yang disampaikan. Dalam konteks moden, cerita ini membawa makna yang sangat relevan tentang bagaimana manusia harus sentiasa mengingati asal-usul dan menghargai keharmonian dengan alam sekitar. Simbolisme tubuh yang menjadi sumber tanaman melambangkan penghormatan masyarakat terhadap wanita dan kesuburan bumi. 

Walau bagaimanapun, terdapat beberapa aspek teknikal yang boleh ditambah baik. Beberapa transisi babak kelihatan terlalu cepat dan kurang beralun, yang sedikit sebanyak menjejaskan kesinambungan emosi. Dalam beberapa babak dramatik, ada pelakon yang kurang konsisten dalam penyampaian perasaan, menjadikan detik-detik penting terasa kurang mendalam. Dengan latihan yang lebih rapi dan pengembangan pengarahan, elemen ini pasti dapat diperkukuhkan. 

Daripada perspektif kritikan seni, teater ini berjaya dari pelbagai sudut emosi, teknikal dan mesej. Dari sudut pandang seorang emotionalist, pementasan ini menyentuh perasaan penonton melalui pengolahan tema yang menyayat hati. Jika dilihat dari lensa formalist, semua unsur teknikal seperti pencahayaan, pergerakan pelakon, dan bunyian disusun secara seimbang dan harmoni. Ini menjadikan persembahan bukan sahaja indah dari segi estetika, malah sarat makna. Sebagai kesimpulan, “Huminodun: Muzikal Puteri Nabalu” adalah satu persembahan yang berjaya mengangkat warisan budaya Sabah ke pentas nasional. Ia menjadi jambatan budaya antara masyarakat Sabah dan Semenanjung, sekaligus memperkukuh kefahaman dan penghargaan terhadap tradisi yang unik. Kritikan ini membuktikan bahawa teater bukan hanya sebuah hiburan, tetapi ruang refleksi yang mendalam terhadap nilai budaya, spiritual dan jati diri bangsa.

MELISSA YASEMI: Let Me Go

 The show is called Let me go, it is in English language played in Kuala Lumpur Performing Arts Center from 11-13th of July 2025, which I attended the second night on 12th of July 2025. 

THEATRE ANALYSIS AND ISSUES OF THE DRAMA

1.Acting and Characterization The acting was sincere and packed with emotions, with the main cast showing a clear understanding of their characters and delivering the emotions specifically the main actress. However, there were only 4 performers and one of them performed 5 roles in a 60-minute Theater. Although the acting was good and she delivered, they can use more performers next time to take the small parts. 

2.Direction and Staging The director’s vision was clear, especially emotionally wise in intense scenes, and use of space was thoughtfully planned. Though some transitions between scenes felt rushed with characters becoming someone else over and over as I mentioned. With more clarity in scene changes and maybe using more people on stage, the production could have maintained a stronger rhythm. 

3.Set Design and Props The set design was minimalistic but effective, related to the story without overwhelming it. Some props were cleverly used, however the decoration has room for getting better because seeing plastic chairs on a stage is not that pleasant. Also, they could have used more comfortable chairs for the audience and the room was freezing cold which made focusing hard. Another thing: the actress and actor were moving the sofa and chairs into the backstage, and you could see people from the backstage in the corner of the stage. 

4. Lighting and Sound Lighting was used efficiently to highlight emotional changes and focus on the audience’s attention. However, they could have used more audio effects — it was only one or two beside when they were singing to the beat. 

5. Audience Engagement and Atmosphere - The atmosphere in the Theater was highlighting, everyone involved and laughed and seemed to enjoy the show very much. 

6.Script and Story - The story was about a girl who wanted to become a Hollywood actress and to pursue her dream she wants to go to America. However, her family is holding her back because of fear of her going abroad. The script at first was strong and funny and made everyone laugh. At the end it can be improved, and the reason is it became cliché. '

Conclusion 

The production had its strengths, specifically in lead performances. All in all, it was a good show with good acting, but with the change of small things, it can become better and attract even more audiences.

BASED ON FOUR STEPS OF CRITICISM

1.Description: This 60-minute play told the story of a girl who dreams of becoming a Hollywood actress and struggles with her family’s fear of letting her go abroad. The performance featured four performers, with one actor taking on five roles. The audience was engaged, and the atmosphere was lively. 

2.Analysis: The acting was sincere, and the main cast understood their characters well. The actress who played multiple roles was particularly impressive. Direction was emotionally strong, and the space on stage was used well. However, scene transitions were sometimes rushed, and the lack of additional performers made the role-switching a bit confusing. Set design was minimal but effective, although certain visual elements like plastic chairs reduced the aesthetic quality. 

3.Interpretation: The director’s vision focused on emotional depth and the conflict between ambition and family expectations. The use of minimal cast and quick transitions may have symbolized internal struggle, but it slightly distracted from the clarity of the story. The atmosphere and humor kept the story relatable and accessible. 

4.Evaluation: Despite minor technical issues and some rushed transitions, the performance was overall enjoyable. The acting, particularly the lead roles, carried the story effectively. With slight improvements in casting, staging, and comfort for the audience, the production could become significantly stronger and reach a wider audience.

Ribut – Bila Kuasa Runtuh dan Rahsia Terbongkar

 

Oleh: Adriana Batrisyia

Dipentaskan di ASWARA pada 29 Jun 2025 

Olah Semula oleh: Aish Mirza & Gloria Mujan 

Lokasi: Panggung Eksperimen, ASWARA Festival PETA (Penilaian Tahun Akhir ASWARA 2025) 

Tiket: RM10 (Pelajar & Umum) 

Waktu Persembahan: 3:00 petang & 8:30 malam 

Ribut merupakan sebuah adaptasi moden daripada naskhah klasik Thunderstorm karya Cao Yu, yang diberikan nafas baharu dalam konteks masyarakat Tionghoa-Malaysia sekitar tahun 1998. Pementasan ini dipersembahkan dalam rangka Festival PETA (Penilaian Tahun Akhir) oleh pelajar ASWARA dan telah berlangsung pada 29 Jun 2025 di Panggung Eksperimen ASWARA, menampilkan dua sesi iaitu jam 3:00 petang dan 8:30 malam. 

Saya telah hadir dan menonton pada sesi pertama iaitu pada pukul 3 petang. Persembahan ini telahpun diolah oleh Aish Mirza dan Gloria Mujan. Mereka merupakan dua pengarah muda yang membawa pendekatan kreatif serta penuh sensitiviti terhadap isu keluarga, kuasa, dan juga rahsia yang diwarisi. Dari awal lagi, penonton telahpun diheret ke dalam rumah agam keluarga Chou yang kelihatan megah dari luar, tetapi sarat dengan konflik dan kesakitan yang tersembunyi. 

Pementasan ini telah menggabungkan beberapa genre iaitu realisme, naturalisme dan elemen surealisme visual. Penonton diletakkan mengelilingi ruang pentas, menjadikan mereka seolah-olah pemerhati sahaja yang menyaksikan perlahan-lahan kehancuran yang tidak dapat dielakkan. Prop sebenar seperti makanan dan penggunaan ruang yang mencerminkan suasana rumah era 90-an menjadikan persembahan ini seolah-olah hidup dan penuh perincian yang realistik. 

Melalui pendekatan psikologi Freud, Ribut menyentuh tentang konflik dalaman watak-watak yang bertembung antara keinginan dan batas moral yang ditetapkan oleh sistem kekeluargaan patriarki. Watak utama lelaki (ayah) memaparkan unsur superego iaitu kuasa dan kawalan mutlak .Manakala, anak-anaknya bergelut dengan idea merekaberkaitan dengan naluri cinta, kebebasan dan juga keinginan untuk melawan autoriti yang menindas. Dalam rumah agam itu, segala yang kelihatan indah hanyalah topeng kepada trauma dan kesedihan yang diwarisi turun-temurun. Simbol rumah dengan aras tinggi dan rendah digunakan untuk menunjukkan hierarki kuasa dan tekanan emosi yang semakin mendalam. 

Seperti yang dinyatakan oleh pengarah, tema “Kerapuhan Kuasa” menjadi dasar pengarahan, menggambarkan bagaimana kekuasaan yang dibina atas ketakutan dan kebohongan akhirnya akan runtuh. Setiap lapisan dalam cerita ini memberikan ruang kepada penonton untuk menilai sejauh mana sistem keluarga yang tampak “suci” boleh menyembunyikan pelbagai bentuk penderitaan dalaman. Lakonan para pelakon yang terlibat dalam produksi ini sangat memberi kesan kepada penonton yang hadir melihatnya. Mereka menampilkan penghayatan watak yang mendalam dan tidak berlebihan. Ekspresi wajah yang terkawal, gerak tubuh yang tepat, serta kawalan suara yang berkesan menjadikan setiap babak sarat dengan ketegangan emosi. 

Penonton dapat merasakan tekanan jiwa yang dialami oleh watak-watak tersebut, terutamanya dalam adegan yang seolah-olah sunyi tetapi bergetar dengan makna. Bunyi guruh yang digunakan untuk kesan bunyi secara konsisten dan pencahayaan suram yang simbolik menjadikan suasana lebih tegang dan dramatik. Semua elemen ini bersatu dalam satu pengalaman pementasan yang menyentuh dan mendalam. Walaupun terdapat sedikit kelonggaran dari segi tempo yang agak lari di bahagian pertengahann , tetapi secara keseluruhannya pementasan yang dipersembahkan tetap kukuh dan berjaya memberikan impak kepada penonton. 

Secara keseluruhannya,teater Ribut ini berjaya membongkar sisi gelap institusi keluarga melalui simbolisme yang kuat dan penceritaan yang menyentuh. Ia bukan sekadar pementasan teater biasa, tetapi satu cerminan terhadap masyarakat kita yang masih terikat dengan struktur kekuasaan yang menekan dan membungkam kebenaran. Walaupun teater ini dipentaskan dalam konteks pendidikan dan penilaian akhir pelajar ASWARA, karya ini membuktikan kebolehan pelajar tahun akhir bukan sahaja dari segi teknik, tetapi juga sensitiviti sosial dan kedalaman analisis psikologi. Ribut adalah pengalaman teater yang layak untuk pentas profesional .Teater ini membawa penonton ke dalam rumah yang tampak sempurna namun penuh seribu satu rahsia. Ribut memberi mesej yang jelas iaitu jika kebenaran terus disembunyikan, lambat-laun akan datang ribut yang memusnahkan segalanya.

LIA MAISARA SHAMSUL: SULUH PERABA

Teater Suluh Peraba yang diarahkan oleh Subroto Hj. Katimin menggabungkan elemen falsafah dan kerohanian dalam satu pementasan yang mengharukan. Walaupun pementasan ini memberi impak yang kuat, terdapat beberapa isu dalam lakonan yang memerlukan perhatian, terutamanya berkaitan dengan konsistensi watak, penggunaan improvisasi, dan keseragaman gaya lakonan. 

Secara keseluruhannya, beberapa pelakon menunjukkan penghayatan yang mendalam terhadap watak mereka. Ada pelakon yang berjaya membawa peranan mereka dengan penuh perasaan dan kredibiliti, menunjukkan pemahaman terhadap objektif dalaman watak, serta kesedaran tubuh yang baik. Melalui penggunaan ekspresi wajah, intonasi suara, dan gerak tubuh, pelakon ini mampu menghidupkan watak secara nyata, seolah-olah mereka benar-benar berada dalam dunia cerita. 

Dari sudut teori, mereka berjaya mempraktikkan prinsip Stanislavski yang menekankan bahawa pelakon harus "percaya pada keadaan lakonan" dan menyelami emosi watak sepenuhnya. Mereka juga menunjukkan kesedaran tubuh yang tinggi, yang mana memberi kesan positif kepada cara mereka berinteraksi dengan rakan pelakon lain, menyampaikan naratif secara lebih berkesan dan autentik. Namun, masalah utama yang ketara adalah ketidakkonsistenan dalam lakonan beberapa pelakon. Pada awalnya, watak-watak ini tampak jelas dan mantap, tetapi seiring dengan berjalannya cerita, mereka mula menunjukkan perubahan yang tidak wajar dalam gaya lakonan mereka. Perubahan emosi atau gerak tubuh yang mendadak ini mengganggu kesinambungan watak dan menimbulkan keraguan terhadap objektif mereka dalam setiap adegan. Apabila pelakon tidak mengekalkan konsistensi dalam penghayatan watak, ia menyebabkan penonton hilang fokus dan menyukarkan mereka untuk terus mengikuti perkembangan cerita. 

Di sinilah teori Stanislavski tentang "super-objective" menjadi penting. Setiap watak perlu mempunyai tujuan yang jelas dari awal hingga akhir, dan setiap perbuatan mereka harus selari dengan objektif tersebut. Unsur komedi yang diselitkan dalam beberapa babak juga menimbulkan masalah. Walaupun komedi boleh memberi kelainan dalam sesebuah pementasan, terdapat momen di mana lawak-lawak ini terasa tidak pada tempatnya dan lebih kepada improvisasi yang tidak terarah. Improvisasi yang berlebihan boleh mengganggu keseimbangan naratif dan menjadikan cerita kelihatan terputus-putus. Apabila pelakon lebih fokus untuk membuat penonton ketawa, mereka mungkin terlepas dari mesej utama cerita, malah kadangkala watak-watak ini kelihatan "syok sendiri" dan tidak berfokus pada objektif drama. Improvisasi seperti ini boleh merosakkan kesan dramatik yang dibina dengan susah payah dan menyebabkan pementasan menjadi lebih panjang dan membosankan. 

Masalah lain yang agak ketara ialah ketidakseragaman dalam gaya lakonan. Beberapa pelakon menampilkan gaya yang lebih realistik, sementara yang lain cenderung kepada pendekatan yang lebih simbolik dan eksperimental. Ketidakselarasan ini memberi kesan kepada penerimaan cerita secara keseluruhan, kerana penonton sukar untuk memahami nada atau pendekatan yang cuba diterapkan dalam pementasan tersebut. Sebagai contoh, pelakon yang bermain secara realistik mungkin membawa kesan yang lebih mendalam melalui emosi yang sebenar, namun pelakon lain yang bermain dengan gaya yang lebih abstrak dan simbolik boleh mencairkan kesan tersebut, menyebabkan kehilangan fokus dalam cerita. Untuk mengatasi ini, sebuah ensemble yang seimbang dan seragam diperlukan agar keseluruhan persembahan berjalan dengan harmoni. 

Walaupun terdapat kekurangan dalam beberapa aspek teknikal, tahap komitmen dan disiplin yang ditunjukkan oleh para pelakon harus dihargai. Pementasan yang berlangsung hampir tiga jam memerlukan stamina fizikal dan mental yang tinggi, dan pelakon-pelakon ini jelas berusaha memberikan yang terbaik dalam tempoh tersebut. Mereka tetap mengekalkan tenaga dan kehadiran mereka di atas pentas, walaupun beberapa momen terasa sedikit terganggu.

Secara keseluruhannya, Suluh Peraba menawarkan sebuah pementasan yang menarik dari segi tema dan naratif, namun terdapat beberapa isu teknikal yang perlu diperbaiki dalam aspek lakonan. Pelakon perlu lebih konsisten dalam mengekalkan penghayatan watak mereka dan tidak terganggu dengan improvisasi yang tidak sesuai dengan cerita. Disiplin ensemble yang lebih kukuh juga diperlukan untuk memastikan persembahan berjalan lebih lancar. Pengarah dan pelakon perlu lebih memberi perhatian kepada keselarasan gaya lakonan agar pementasan ini dapat mengalir dengan lebih semula jadi. Dengan penguasaan teori Stanislavski dan teknik embodied cognition, teater ini berpotensi untuk memberikan pengalaman yang lebih mendalam dan bermakna kepada penonton, bukan sahaja dari segi hiburan tetapi juga dari segi penghayatan cerita.

NUR DALILA FARZANA: RIBUT

 

Pada 28 Jun 2025, kumpulan pelajar Diploma Teater dari Akademi Seni Budaya dan Warisan Kebangsaan (ASWARA) telah membawakan sebuah persembahan akhir tahun yang cukup bermakna, iaitu teater “Ribut”. Teater ini merupakan adaptasi daripada karya klasik Cina, Lei Yu (雷雨) hasil karya dramatik Cao Yu, di bawah pengarahan dua pengarah muda yang berbakat, Aish Mirza dan Gloria Mujan. Persembahan ini bukan sahaja sebahagian daripada Penilaian Tahun Akhir (PeTA) pelajar-pelajar tahun akhir, malah juga sebuah usaha yang menggabungkan kreativiti dan bakat anak seni muda. ‘Ribut’ membawa penonton menyelami kisah penuh ketegangan emosi dan konflik keluarga tradisional yang sarat dengan pertembungan nilai antara generasi serta keruntuhan moral. 

Melalui gabungan pelbagai elemen seperti lakonan, sinografi, pencahayaan, dan suara, pementasan ini cuba menyampaikan cerita yang mendalam dan berkesan. Namun, kebanyakan produksi pelajar bagi teater “Ribut” juga mempunyai beberapa ruang untuk penambahbaikan. Kritikan utama terarah kepada beberapa aspek yang menjadi kekuatan kepada kejayaan sesebuah pementasan. Bagi para pelakon, terdapat beberapa kelemahan dalam lakonan tersebut iaitu lontaran suara yang kurang jelas dan perlahan oleh sesetengah pelakon. Hal ini kerana mengganggu pendengaran penonton, terutamanya yang duduk di belakang pentas untuk menangkap dialog dan emosi yang ingin disampaikan. Dalam persembahan teater, lontaran suara yang jelas sangat penting untuk memastikan mesej sampai dan penonton kekal fokus. Oleh itu, latihan vokal dan teknik pernafasan yang lebih intensif perlu ditingkatkan agar para pelakon mampu membawa dialog dengan lebih bertenaga dan penuh keyakinan. Konsistensi watak juga menjadi cabaran. Ada kalanya watak yang dibawa terasa kurang stabil apabila emosi memuncak, menandakan pelakon kurang mendalami latar belakang watak mereka. Ini membuatkan emosi yang disampaikan kurang meyakinkan. 

Walaubagaimanapun, permulaan persembahan bermula dengan cukup bertenaga. Pergerakan tubuh dan ekspresi yang kuat menunjukkan komitmen yang tinggi. Tenaga tersebut mula menurun apabila cerita memasuki pertengahan, menyebabkan perjalanan cerita kehilangan momentum. Faktor keletihan dan pengurusan masa oleh pengarah mungkin antara penyebabnya. Latihan berfasa dan strategi pementasan yang menjaga stamina pelakon amat diperlukan untuk mengatasi masalah ini. Hubungan antara pelakon yang sangat serasi dan meyakinkan. Interaksi mereka kelihatan semula jadi dan mendalam, menyokong emosi pementasan dan menjadikan babak-babak dramatik lebih menyentuh hati penonton. Dari segi ekspresi emosi, pelakon berjaya menyampaikan perasaan marah, sedih dan kecewa dengan baik, walaupun ada juga adegan yang kurang mantap. Pelakon perlu lebih berani dan ekspresif untuk memberi kesan yang lebih mendalam. Sinografi dalam pementasan ini kreatif dan menarik dengan rekaan pentas yang menempatkan penonton mengelilingi pentas 360 darjah dalam persembahan teater ini. 

Hal ini dapat memberikan pengalaman lebih dekat dan immersive yang membuatkan penonton dapat memahami, memasuki dan menjiwai cerita keluarga tersebut. Namun, penggunaan ruang sebegini juga menimbulkan cabaran seperti sudut pandangan penonton yang terhalang oleh kedudukan perabot, tirai dan kedudukan pelakon menyebabkan sesetengah penonton kurang dapat menikmati jalan cerita dengan sepenuhnya. Penggunaan tirai berwarna putih yang tergantung secara menegak membawa nilai simbolik yang mendalam mewakili batasan emosi, jurang hubungan antara watak dan pembahagian ruang pentas. Tirai ini juga membantu permainan cahaya dan bayang-bayang yang menambah kedalaman visual. Namun, ia perlu diimbangi dengan pencahayaan supaya tidak menghalang pandangan atau mengurangkan kejelasan adegan penting. 

Pencahayaan yang digunakan adalah warna yang sangat berkesan dapat mewujudkan suasana seperti waktu hujan dan pergaduhan manakala perasaan seperti sedih dan marah. Ia membantu menumpukan perhatian kepada watak dan babak tertentu. Namun, beberapa babak dilihat menggunakan cahaya yang gelap sehingga ekspresi pelakon sukar dilihat dengan jelas. Penataan cahaya yang lebih tepat diperlukan untuk mengelakkan masalah ini berlaku. Persembahan teater ini menggunakan perabot dapat membantu dalam sesebuah bilik dan tempat seperti ruang bilik tidur, bilik pejabat, dapur, ruang makan dan ruang tamu. Ia menandakan perubahan ruang yang tidak memerlukan pertukaran set yang besar, sekaligus memberikan suasana yang realistik. Susun atur props juga membantu pelakon bergerak dengan bebas tanpa mengganggu visual keseluruhan pentas. 

Secara keseluruhannya, “Ribut” adalah produksi yang penuh potensi dan membuktikan bakat para pelajar ASWARA. Walaupun masih terdapat ruang untuk penambahbaikan, usaha dan komitmen mereka jelas terserlah. Dengan latihan dan pengurusan yang lebih baik, produksi sebegini mampu memberikan impak yang lebih hebat di masa hadapan.

LET ME GO by ZHANG CHEN

 

Let Me Go is a one-hour play about the conflict between family expectations and personal dreams. It was directed by Christopher Ling and performed by students from TUTAS. Though the show is short, it leaves a strong impression, especially for young people like me. Especially when I see actors in dramatic conflicts, they are not understood by their mothers, favored by the company, or even ignored because they pursue their dreams. But when I am still full of energy to pursue my dream of becoming a star, I choose to stay away from my hometown for the sake of my dream, but not be understood by those around me. My mother's worries and father's incomprehension, but I still insist on my choice. 

I deeply feel that I am also a person who came here to study and choose art for no other reason than because I once loved it and want to continue to hold on to this love. Thinking about the hardships that have come this way, I once persisted in losing weight in order to join the production team, and finally successfully entered the production team. Losing weight is tiring, it's hard, it's tiring. But when I see the visual effects presented, I am very happy and even more passionate about art. I am also more convinced that I love art very much. 

During the performance, when Sari saw her mother kneeling down and praying for herself, and when she saw her mother sacrificing her own face to fight for opportunities for herself, she finally couldn't help but embrace her. Perhaps this is the power of maternal love. Similarly, when her father chose unconditional support, it made me a little stunned. I understood that my current achievements could not be achieved without the support of my family, and that I could continue to pursue what I love without the help of my family. The story follows Nira, a girl who has always wanted to be an actress. She’s ready to leave for Hollywood, but her mother is completely against it. Her aunt keeps making sarcastic comments, and her father tries to stay neutral but doesn’t really help. 

This kind of situation—when your whole family disagrees with your dream—feels very real. And I think Nira is brave. She knows what she wants, but she also doesn’t want to hurt her parents. That struggle between being independent and being a “good daughter” is something many of us can relate to. Her mother represents older values—safety, tradition, and staying close to home. The aunt is funny, but what she says shows how society still judges women who want to be different. The dialogue is natural and easy to follow. There are moments that are funny, but also very emotional. One of the scenes that stayed with me was when Nira quietly packs her bag while crying—it was a simple moment, but very powerful. It seems that what she wants to express is not only her own unwillingness, but also a girl's desire to walk her own path, just to prove that what she loves is right, and to express her dissatisfaction with society. 

Behind the scenes in society, there are many hidden actors and some people who have actor dreams. They are not favored or exploited by others, but instead leave opportunities for those who succeed through improper channels. This indirectly criticizes her unwillingness to accept this phenomenon and calls on everyone to have something they insist on, rather than being controlled by others. Although they do it, they cannot concentrate if they care too much about others' opinions The stage setup was simple, mostly just a living room, but it worked well. The pacing was tight, and the actors did a great job, especially the actress who played Nira. She handled the emotional scenes with great control. The entire stage presents a fascinating effect, with the use of top lighting to express the inner activities of the characters, metering to depict the opposing sides of the two, and different colored lighting presenting different effects that are even more immersive. 

Overall, I think Let Me Go is a play that both students and parents should watch. It’s not just about one girl leaving home—it’s about all of us trying to find our own path while balancing what our families expect from us.

HARTO by NURIN MAWADDAH

The production I am reviewing is the theatre performance Harto, which I experienced live in a blackbox theatre. The intent of the play is to depict the results of a power-hungry person who corrupts himself to attain power via immoral and prohibited paths: the worship of devils and binding oneself to blackmagic. Harto, the central male character, chooses to abandon God and worship the demon Gahayu. With this pact, Harto is granted dominion over women but ultimately loses himself in his own fantasies and moral decline. Selaseh is one of the two female protagonists and the first woman that melts Harto's heart but also the breaking point of Harto's emotional collapse. Selaseh is also sinful, as she has lived a life stained by prostitution and lies. 

The narrative progresses through a succession of disturbing and grotesque scenes: the birth of a baby without skin, a series of cult-like actions, and finally an array of women turning into replicas of Selaseh due to Harto's manipulation. The climax of the play is tragic: Harto violently disembowels a pregnant woman named Tari, mistakenly thinking she is Selaseh, and then gets himself brutally destroyed by the demon he once characterized as a servant. The performance took place in a blackbox theatre, a flexible and personal space that encouraged close proximity between the performers and the audience. There was effective use of sound effects, lighting design, props, and costumes, to produce a ghostly immersiveness in the original play writing. When we consider Harto through an ethical lens, it closely resembles a classical tragedy. The narrative abides by a landscape of dramatic action with an exposition, a conflict, a climax, and a resolution. 

The exposition introduces Simbok, Harto's mother, as she struggles to dismantle her family's generational pact with the demon Gahayu. Her tragic demise (in addition to the birth of a cursed child) sets up a relatively bleak tone for the rest of the play. The conflict becomes increasingly more complex as Harto is in love with Selaseh and fear becomes an obsession with her memory and image. The climax occurs when Amina, another female character and victim, refuses Harto's authority, but he overcomes her in the end and kills her. Finally, Harto is punished in a brutal, but overly fitting, punishment for going against his pact with Gahayu. As far as visuals and sound are concerned, the aesthetics of the production were both disgusting and attractive. The costumes, particularly those of Gahayu and the possessed women were blood-soaked, dirty and meant to be in a nightmarish, hellish domain. The lighting designer relied heavily on dim, red light which worked to conjure a ritualized feel and helped transition between surreal and horrific scenes. 

The way the history of sound, both traditional music and warped radio static was used helped amplify the suspense and oppressive atmosphere of the play. Moreover, there were some items used in the production that fed into the emotional experience of the production. The dry leaves scattered across stage, the tattered clothing pieces, and things like knives and other significant props helped generate the effects of fear and dread. Of all the elements in the aesthetic experience of the play, the most impactful was the scent of the performance space. It was reminiscent of incense or burning offerings (disgusting, but still very symbolic of more sinister messages about demonic worship). This performed atmosphere pulled the audience deeper into the play and its thinking about the imagery of worship. These decisions resulted in the performance's intensely immersive, complex, and disturbing aesthetic. Harto's performance can be understood to exemplify an allegory about the perils of unrestrained ambition; emptiness; and the ability of individuals to rationalize immoral behaviour as ‘victims’ of circumstance. Although Harto views himself as someone who is suffering from his situation, it is his own greed, pride, and lust that result in his monstrosity. Selaseh and the other women are also symbolic. 

They exemplify how people, even after suffering abuse or misfortune, are still forced to reckon with the moral impact of their actions. The director seems to adopt a melodramatic form with an intense emotional delivery. This works well with Gahayu since the larger-than-life gestures of the actors were reflective of the characters' internal suffering and chaotic fear of the supernatural. Some may see this as overacting, but within a play riddled with spiritual corruption and psychological trauma, it felt justified and appropriate. The blackbox theatre space facilitated the director's vision of transcending a 'theatrical' experience and creating a visceral and immersive one for the audience. The lack of a stage or barriers between spectators and actor provided an intimate place for the performances to unfold. 

This physical, and psychological proximity enhanced the impact of the emotionality of scenes of violence, possession, and fear. Many moments of silence made you feel like the audience was collectively holding their breath. This felt quite effective in terms of the staging allowing for such an immersive experience. Harto is an unsettling yet beautifully crafted piece of theatre which generated feelings of fear, reflection, and emotional unease. The performance aesthetics, with deliberate choices regarding lighting, costume, makeup, scent, sound design, and arrangement of space are a demonstration of strong artistic vision and direction. The play followed an obvious tragedy structure, and the audience was led through phases of suspense, emotional intensity, and relief as the emotional arc progressed consistent with philosophical principles. In conclusion, the overall experience of the theatre was powerful and unforgettable. 

The performance aesthetics were memorable, but the themes presented will make one think deeply about morals, belief, and one's actions and the consequences of those actions. Harto is exceptional theatre that tells a fascinating story and conveys an important moral. I would be more than happy to go to another performance of this style in the future, if the chance arises.

Maisyura Hellina : RIBUT

 

Pada 28 Jun 2025, sebuah pementasan bertajuk RiBut, adaptasi daripada karya klasik teater Cina Lei Yu (《雷雨》) hasil tulisan dramatik Cao Yu, telah dipersembahkan oleh Kumpulan 1 pelajar Diploma Teater Akademi Seni Budaya dan Warisan Kebangsaan (ASWARA). Persembahan ini berlangsung di Panggung Eksperimen, ASWARA, dan merupakan sebahagian daripada Penilaian Tahun Akhir (PeTA) bagi pelajar-pelajar tahun akhir program tersebut. Di bawah arahan dua pengarah muda berbakat, Aish Mirza dan Gloria Mujan, pementasan ini membawa pendekatan yang lebih kontemporari terhadap naskhah klasik tersebut, sambil mengekalkan roh dan konflik asal yang terkandung dalam karya asal.

RiBut menyorot isu-isu berat yang berkait rapat dengan ketegangan emosi, pertembungan nilai antara generasi, konflik antara watak, serta keruntuhan moral dalam institusi keluarga tradisional. Melalui lakonan, sinografi, serta pendekatan pengarahan yang berani dan mencabar, pementasan ini cuba menggambarkan kerumitan emosi manusia dalam situasi sosial yang menekan dan penuh rahsia. Sebagai sebuah karya adaptasi, RiBut juga memperlihatkan bagaimana sesebuah teks klasik antarabangsa boleh diberi nafas baharu dalam konteks tempatan, melalui kefahaman mendalam terhadap struktur dramatik dan nilai universal yang terkandung dalamnya. Justeru, pementasan ini wajar dikupas dan dikritik secara mendalam dari sudut lakonan dan sinografi, dua elemen utama yang memberi impak besar kepada keseluruhan persembahan.

 

Teater merupakan satu bentuk seni persembahan yang menyatukan pelbagai elemen seperti lakonan, sinografi, pencahayaan, dan suara untuk menyampaikan cerita kepada penonton. Setiap komponen ini memainkan peranan penting dalam membentuk pengalaman teater yang menyentuh dan bermakna. Melalui pementasan yang diperhatikan, dapat dilihat bahawa produksi ini menampilkan usaha yang baik dari segi pengarahan dan rekaan pentas. Walau bagaimanapun, masih terdapat ruang untuk penambahbaikan, terutamanya dalam aspek lakonan dan sinografi. Kritikan ini akan mengupas kekuatan dan kelemahan persembahan berdasarkan dua aspek tersebut secara lebih mendalam.

 

Dari sudut lakonan, persembahan ini menonjolkan beberapa kekuatan penting namun juga menghadapi beberapa kekurangan yang tidak boleh diketepikan. Antara kelemahan yang paling ketara ialah dari segi lontaran suara. Terdapat pelakon yang tidak menyampaikan dialog mereka dengan jelas dan suara mereka agak perlahan. Hal ini menyukarkan penonton, terutamanya mereka yang duduk di bahagian belakang, untuk menangkap sepenuhnya maksud dan emosi yang ingin disampaikan. Dalam konteks teater, lontaran suara yang jelas amat penting kerana ia membantu mengekalkan fokus penonton dan memastikan mesej cerita sampai dengan tepat. Latihan vokal dan teknik pernafasan harus diberi penekanan yang lebih dalam sesi latihan agar pelakon dapat menyampaikan dialog dengan lebih bertenaga dan artikulatif.

 

Selain itu, persembahan ini turut menunjukkan kelemahan dari segi konsistensi watak. Terdapat beberapa pelakon yang kelihatan keluar daripada karakter mereka pada sesetengah babak, menyebabkan kesinambungan penceritaan terganggu. Watak-watak yang dimainkan kelihatan tidak konsisten, terutama ketika emosi memuncak. Ini menunjukkan kurangnya pemahaman terhadap latar belakang dan motivasi watak atau mungkin kelemahan dalam mengekalkan emosi dan fokus sepanjang pementasan. Konsistensi dalam pembawaan watak merupakan elemen penting dalam meyakinkan penonton dan membina dunia cerita yang kukuh.

 

Dari aspek tenaga lakonan, persembahan ini bermula dengan cukup memberangsangkan. Pelakon menunjukkan komitmen tinggi dengan gerak tubuh dan ekspresi yang kuat. Namun begitu, apabila cerita memasuki pertengahan pementasan, tenaga lakonan mula menurun. Dinamika dan intensiti emosi yang pada awalnya mantap menjadi perlahan, menyebabkan rentak cerita kehilangan momentum. Ini mungkin disebabkan keletihan pelakon atau kurangnya pengurusan tempo oleh pengarah.

Bagi mengatasi isu ini, latihan berfasa dan strategi pementasan yang mempertimbangkan stamina pelakon amat diperlukan bagi memastikan tenaga yang konsisten dari awal hingga akhir persembahan.

 

    Walau bagaimanapun, antara kekuatan utama dalam aspek lakonan ialah chemistry antara pelakon. Interaksi antara pelakon, terutamanya watak-watak utama, kelihatan sangat serasi dan meyakinkan. Gerak balas antara satu sama lain terasa semula jadi dan mendalam, membina hubungan yang realistik dan memberi kesan kepada penonton. Chemistry yang kukuh membantu menyokong emosi dan menjadikan babak-babak dramatik lebih menyentuh hati. Ini menunjukkan tahap kefahaman dan kerjasama yang baik antara pelakon yang patut dipuji.

Dari segi emosi yang disampaikan, secara keseluruhannya pelakon berjaya menyampaikan pelbagai emosi dengan baik seperti marah, sedih, dan kecewa. Namun, terdapat beberapa adegan di mana ekspresi emosi tidak cukup kuat atau tidak sampai kepada penonton. Dalam teater, penyampaian emosi perlu dilebih-lebihkan sedikit berbanding dalam filem atau televisyen kerana jarak antara pelakon dan penonton lebih jauh. Oleh itu, pelakon perlu lebih berani dalam menyampaikan perasaan secara ekspresif, dengan ekspresi wajah, gerakan tubuh dan intonasi suara yang lebih mantap.

Beralih kepada aspek sinografi, pementasan ini menampilkan rekaan pentas yang cukup kreatif dan berani. Ruang pentas digunakan secara immersive, di mana penonton diletakkan mengelilingi pentas, menjadikan mereka sebahagian daripada dunia cerita. Pendekatan ini memberi kesan yang kuat dari segi keterlibatan emosi dan visual. Penonton berasa lebih dekat dengan watak dan aksi di atas pentas. Namun begitu, penggunaan ruang seperti ini juga membawa cabaran. Terdapat sudut tertentu di mana pandangan penonton terhalang, sama ada oleh perabot, tirai, atau kedudukan pelakon itu sendiri. Hal ini menyebabkan sesetengah penonton tidak dapat menikmati sepenuhnya adegan yang sedang berlangsung.

Satu lagi elemen menarik ialah penggunaan tirai lut sinar putih yang tergantung secara menegak di beberapa bahagian pentas. Tirai ini bukan sahaja berfungsi sebagai pembahagi ruang tetapi juga memberi nilai simbolik, mungkin mencerminkan batasan emosi atau jurang hubungan antara watak. Penggunaan tirai ini juga membolehkan permainan cahaya dan bayang-bayang yang menambah kedalaman visual pementasan. Namun, penggunaannya perlu diimbangi dengan penataan cahaya agar tidak menghalang pandangan atau mengurangkan kejelasan aksi penting yang berlaku di sebaliknya.

Dari segi pencahayaan, persembahan ini menggunakan warna-warna seperti biru dan ungu untuk membina suasana yang suram dan penuh konflik dalaman. Pencahayaan ini cukup berkesan dalam menampakkan perubahan mood dan membantu memberi tumpuan kepada watak atau babak tertentu. Namun, terdapat beberapa babak di mana pencahayaan menjadi terlalu gelap sehingga ekspresi pelakon sukar untuk dilihat dengan jelas. Pencahayaan yang seimbang amat penting dalam teater agar emosi yang ingin disampaikan dapat dilihat dan dirasai sepenuhnya oleh penonton.

Akhir sekali, rekaan set dan props digunakan secara sederhana tetapi berkesan. Perabot seperti meja, kerusi, dan kabinet digunakan untuk menandakan perubahan ruang tanpa memerlukan pertukaran set yang besar. Elemen-elemen ini memberikan suasana yang realistik dan membolehkan pelakon berinteraksi dengan set dengan lebih natural. Selain itu, susun atur props dan perabot memberi ruang kepada pergerakan pelakon tanpa mengganggu visual pentas secara keseluruhan.

Sebagai kesimpulan, persembahan teater ini memperlihatkan usaha yang memberangsangkan dari aspek lakonan dan sinografi. Kekuatan jelas terlihat pada chemistry antara pelakon, penggunaan ruang secara kreatif, dan elemen visual yang simbolik. Namun begitu, terdapat beberapa kelemahan yang perlu diberi perhatian seperti lontaran suara yang lemah, konsistensi watak yang terganggu, dan penurunan tenaga lakonan di pertengahan cerita. Dari segi sinografi pula, isu pencahayaan dan pandangan terhalang harus diberi perhatian untuk penambahbaikan.

Dengan latihan yang berterusan dan pengarahan yang lebih teliti, persembahan ini mampu mencapai tahap yang lebih tinggi dan memberikan pengalaman teater yang benar-benar berkesan dan mengesankan kepada penonton.

NUR ADRIANA ALISYA - RIBUT

 

   

Pada malam 28 Jun 2025, saya berkesempatan menonton sebuah pementasan teater yang bertajuk Ribut di Panggung Eksperimen, ASWARA. Ia merupakan hasil kerja pelajar Diploma Teater sebagai projek akhir mereka (PeTA) dan dipersembahkan oleh Kumpulan 1. Teater ini merupakan produksi daripada Bantera Production. Harga tiket hanyalah RM10 bagi saya sangat berbaloi dengan kualiti dengan persembahan yang dipersembahkan.

Teater Ribut ini merupakan sebuah adaptasi daripada naskhah klasik Thunderstorm karya Cao Yu, namun di bawah pengarahan Aish Mirza dan Gloria Mujan, ia diberi wajah baru yang lebih dekat dengan masyarakat kita zaman ini. Persembahan ini menumpukan kepada ketegangan emosi, konflik antara watak dan runtuhnya nilai moral dalam sesebuah keluarga tradisionalis. Latar masa dan tempat dipindahkan ke Ipoh pada tahun 1998 sejurus selepas krisis ekonomi Asia, dalam sebuah keluarga Tionghoa-Malaysia yang kelihatan gah dari luar tetapi rapuh di dalam. Tema "Kerapuhan Kuasa"  sangat terasa kerana dibawa melalui kisah keluarga Chou yang penuh tekanan, rahsia dan luka lama yang disimpan.

Set pementasan kelihatan seperti sebuah rumah dengan warna-warna pudar, dinding yang tampak usang dan ruang yang dibahagi kepada lima tempat iaitu dapur, bilik, pejabat, ruang makan dan ruang tamu rumah. Di tengah pula, terdapat langsir putih yang merupakan tempat makan keluarga tetapi malangnya menghalang sedikit pandangan saya terhadap beberapa babak penting. Tapi ia tidak menjejaskan keseluruhan pengalaman kerana cerita dan emosi yang dipaparkan cukup kuat.

Apa yang menarik perhatian saya ialah cara pengarahan dia telah menggabungkan realisme, naturalisme dan sedikit sentuhan surealisme. Makanan sebenar digunakan di atas pentas, dan rekaan aras pentas yang bertingkat menjadi simbol kedudukan kuasa dalam keluarga tersebut. Pencahayaan yang digunakan sepanjang pementasan sangat bagus. Lampu-lampu yang berwarna biru, jingga, merah dan putih silih berganti bagi menggambarkan perasaan watak dan suasana emosi yang mendalam. Pertukaran pencahayaan sangat membantu dalam persembahan dimainkan supaya penonton dapat menjiwai setiap perubahan babak dimainkan. Penonton pula diletakkan secara mengelilingi ruang pentas, menjadikan kita seolah-olah sedang memerhati disebalik dinding dengan mendengar bisik-bisik, melihat pertengkaran, dan menyaksikan rahsia yang disimpan telah terbongkar satu demi satu.

Lakonan para pelakon sangat bagus dalam menunjukkan emosi yang sebenar dalam pementasan. Watak Fan Yi iaitu isteri kedua kepada Pu Yuan dilakonkan dengan baik dan dapat memainkan watak dengan sesuai . Gerak tubuh dan ekspresi wajahnya memaparkan rasa kecewa, cemburu dan keletihan emosi akibat banyak memendam perasaan. Walaupun dia sangat menyayangi Ping tapi dia tahu cinta itu tidak lagi berpihak kepadanya. Kata-katanya terhadap Ssu Feng penuh dengan sindiran dan kesedihan yang terselindung. Bagi dia sebagai seorang isteri dan ibu, Fan Yi terasa tidak diingini dalam keluarga ini . Dalam satu babak, dia memberitahu bahawa dia sebenarnya tidak sakit tetapi masih dipaksa Pu Yuan untuk mengambil ubat pahit  hal ini menunjukkan simbol kepada ketidakperihatinan dalam rumah tangga.

Ping pula tampil sebagai lelaki yang terbeban dengan rasa bersalah. Walaupun dia banyak merahsiakan hubungannya dengan Fan Yi dan Ssu Feng tetapi dia tetap memilih Ssu Feng. Tujuannya hanyalah untuk melarikan diri bersama Ssu Feng, tetapi apabila semuanya telah terbongkar dia memilih untuk membunuh dirinya , babak terakhirnya bersama pistol menjadi saat yang paling menyentuh hati. Walaupun tanpa dialog yang jelas sekalipun pada babak itu, kita dapat merasai kesedihannya.

Watak Ssu Feng pula hanyalah seorang pembantu rumah, tetapi menjadi kekasih Chung, anak kepada Lu Ma. Ssu Feng ini adalah gadis yang diminati Chung dan Ping. Dia membawa watak yang lembut dan kebudakkan dalam lakonan . Oleh itu, pengarahan memainkan peranan penting dalam mencorak emosi persembahan. Dalam babak konflik, para pelakon diletakkan berjauhan sebagai simbol perpecahan. Babak awal bergerak perlahan, membina tekanan, manakala babak akhir memecut ke arah tragedi yang menghancurkan dan agak cepat.

Antara babak paling menyentuh bagi saya adalah apabila watak Lu Ma mengenali kembali masa silamnya dalam rumah tersebut. Dia tergamam apabila pengakhiran pementasan ini menjadi tragedi kepadanya dengan kematian Ssu Feng, Chong dan Ping. Lagu “Yue Liang Dai Biao Wo De Xin” dimainkan di babak terakhir menambahkan lagi rasa pilu kerana mengingatkan bahawa cinta Ping dan Ssu Feng benar-benar wujud, tetapi mustahil untuk diteruskan.

Walaupun terdapat kelemahan kecil dari segi teknikal seperti pertindihan babak dari dua sisi yang mengelirukan dan bunyi guruh yang terlalu dominan, pementasan Ribut ini tetap berjaya memberi kesan mendalam. Dengan RM10 sebagai harga tiket, pengalaman yang diberikan sangat berbaloi dan boleh diambil pengajaran dalam cerita ini . 

WENDY AWANG - TEATER MUZIKAL "SAKTI MERONG MAHAWANGSA"

Pementasan Teater Muzikal “Sakti Merong Mahawangsa” arahan Shahrul Mizad di Pentas 1, KLPAC telah membuka lembaran baru dalam pendekatan penceritaan epik dalam teater muzikal Malaysia. Berdasarkan lagenda sejarah Merong Mahawangsa yang berasal dari Hikayat Merong Mahawangsa, produksi ini tidak hanya menampilkan kekuatan estetik dalam bentuk muzik, tari dan lakonan, tetapi turut menyelitkan semangat ketamadunan awal serta nilai-nilai identiti kebangsaan yang direka ulang dalam bentuk moden.

Dari sudut teori Theatre Semiotic oleh Patrice Pavis, pementasan ini kaya dengan sistem tanda yang kompleks iaitu daripada kostum tradisional bercirikan langkasuka, pancaran cahaya dramatik, sehingga koreografi yang menggambarkan pertempuran dan ritual. Pavis menekankan bahawa teater merupakan sistem tanda yang saling berinteraksi, dan dalam konteks ini, Shahrul Mizad berjaya menyulam pelbagai kod visual dalam menyampaikan makna yang lebih mendalam tentang kuasa, pengorbanan dan asal-usul.

Watak Merong Mahawangsa sebagai teras penceritaan boleh dianalisis menggunakan The Three Dimensions of Character theory dari Lajos Egri, iaitu fisiologi, sosiologi dan psikologi. Merong digambarkan bukan sekadar raja legenda, tetapi insan yang penuh dilema dalaman. Dari segi fisiologi, tubuhnya digambarkan dengan kekuatan dan karisma kepimpinan. Dari sisi sosiologi, Merong ialah pemimpin yang harus memenuhi peranan patriarki dalam sebuah kerajaan awal yang berdepan ancaman luar. Sementara dari segi psikologi, konflik dalaman Merong berkisar antara tanggungjawab kepada tanah air dan beban darah warisan iaitu satu lapisan yang memberikan kedalaman emosi kepada penonton.

Namun, terdapat beberapa kelemahan yang boleh diteliti. Misalnya, dalam kerangka Joseph Campbell’s Mythological Theory, khususnya konsep The Hero’s Journey, watak Merong Mahawangsa sepatutnya melalui satu perjalanan transformatif yang mendalam, penuh rintangan, konflik dalaman, serta pertumbuhan emosi yang ketara. Campbell menghuraikan struktur perjalanan wira sebagai satu kitaran archetype yang merangkumi fasa-fasa penting seperti call to adventure, refusal of the call, meeting with the mentor, ordeal, apotheosis, dan akhirnya return with the elixir. Namun, pementasan Muzikal Teater Sakti Merong Mahawangsa hanya memaparkan transformasi watak ini secara cetek tanpa mengiringinya dengan pengolahan psikologi watak yang mendalam atau perkembangan emosi yang meyakinkan.

Proses pertumbuhan yang sepatutnya disertai dengan krisis identiti, cabaran moral, dan pengorbanan peribadi tidak ditampilkan secara baik. Watak Merong seolah-olah dilahirkan sudah sempurna iaitu penuh karisma, keberanian, dan kebijaksanaan tanpa melalui detik-detik keraguan, kegagalan, atau kelemahan diri yang lazimnya mencorak perjalanan seorang wira mitos. Ini menjadikan wataknya terlalu idealistik dan statik, tidak berkembang seiring dengan peristiwa-peristiwa besar yang menimpanya. Ketiadaan sebarang konflik dalaman atau krisis jiwa menjadikan transformasi beliau kelihatan tidak kuat dan tidak menyentuh perasaan audiens.

Sebagai akibat daripada pendekatan ini, audiens tidak benar-benar merasai atau mengalami call to adventure, iaitu detik penting yang mencetuskan perubahan dalaman seorang wira, mahupun return with the elixir, iaitu kepulangan Merong sebagai individu yang telah berubah dan kini membawa manfaat kepada dunia asalnya. Hal penting dalam The Hero’s Journey ini, yang menjadi nadi kepada penceritaan mitos universal gagal diwujudkan dengan jelas atau menyentuh secara emosi. Maka, struktur mitos dalam pementasan ini hanya berfungsi sebagai kerangka luaran yang tidak diisi dengan kandungan dramatik yang baik.

Secara keseluruhan, Muzikal Teater Sakti Merong Mahawangsa merupakan satu usaha cemerlang dalam penggabungan mitos nasional dengan bentuk teater kontemporari. Shahrul Mizad tidak sekadar mengarahkan naratif sejarah, tetapi menyuntikkan nafas baru yang mempertautkan seni persembahan moden dengan akar warisan Melayu. Ia adalah satu contoh teater pascamoden Malaysia yang matang iaitu bersifat kritikal, sensorial dan mendalam secara budaya.

NUR ARISSA, Teater Muzikal: Sudirmania

 Teater Muzikal: Sudirmania

On 27 December 2024, Teater Muzikal: Sudirmania, directed by Khairunazwan Rodzy and produced by Revolution Stage, opened at Panggung Bandaraya Kuala Lumpur, DBKL. The show ran until 29 December 2024 and transported the audience back to the year 1986, inspired by the iconic Sudirman concert at Chow Kit Road. More than just a musical tribute, this production told a powerful fictional story filled with themes of love, family, and fate, set during one of the most unforgettable moments in Malaysian history.

The story follows Ramlan, a young man from a poor and broken family, who falls deeply in love with Zetty, a girl from a wealthy and respected family. However, their relationship faces a serious challenge, Zetty is already engaged to another man through an arranged marriage. As excitement spreads across the nation about Sudirman’s upcoming street concert, Ramlan and Zetty secretly agree to meet at the concert, hoping the night might change their destiny. At the same time, Ramlan’s father also heads to the concert, hoping to reunite with his former wife, who now happens to be Zetty’s stepmother. In another part of Chow Kit, a group of drug addicts unexpectedly cross paths with Ramlan’s father and decide to help him in his search. The story takes a darker turn when Zetty is kidnapped by her fiancé, leading to a violent conflict and the tragic death of Ramlan’s best friend’s brother, Aiman.

What made this musical truly special was the way it blended these emotional and dramatic storylines with Sudirman’s music. Songs such as Chow Kit Road, Pelangi Petang, Salam Akhir, Basikal Tua, and Milik Siapakah Gadis Itu were not only performed beautifully but were placed meaningfully throughout the show to support the characters’ journeys. The most touching moment came during the final scene with Salam Akhir, when the actors reached out to the audience, inviting them to connect with the emotions of the moment. It was a powerful way to share both the pain and hope carried in the music.

The set design was another highlight. Though minimalistic, it was visually stunning and cleverly constructed. Scene changes were smooth and graceful, shifting from offices to streets to alleyways as naturally as flowing water. The use of detailed backdrops and props helped each location come to life without overcrowding the stage, showing how a well-planned simple set can still create a powerful impact.

Costumes and styling were accurate to the 1980s setting. From flared pants and polka-dot dresses to vintage hairstyles, makeup, and jewellery, every element helped recreate the era authentically. Even the actors’ way of speaking reflected how people talked at the time, showing the depth of preparation and research involved in the production.

Lighting also played a big role in building mood and atmosphere. The use of LED screens and dynamic lighting at the back of the stage added dimension and made each scene feel alive. Whether it was a soft romantic moment or an intense fight scene, the lighting matched the tone and helped bring the emotions to the surface.

The cast featured a mix of established and emerging talents in the Malaysian theatre scene. Fimie Don as Ramlan and Puteri Khazeera as Zetty brought heart and maturity to their roles. The entire ensemble performed confidently, with strong vocal delivery and expressive acting. Their performances captured both the struggles and dreams of their characters. Although there were a few moments when some actors’ voices became faint, possibly due to fatigue, and a minor slip where a character hiding in a drum was seen too early, these were small issues that didn’t affect the overall impact of the show.

Director Khairunazwan Rodzy deserves special recognition for weaving so many storylines and emotional layers together so smoothly. The selection and placement of songs felt natural, and each scene flowed well into the next. The musical didn’t just celebrate Sudirman’s music, it invited the audience to live inside it. The signature phrase, “cinta, kasih dan sayang”, became a strong emotional thread that tied the entire story together and left a lasting impression.

In conclusion, Teater Muzikal: Sudirmania is not only a story of love, heartbreak, and reunion, it is also a celebration of Malaysia’s cultural heritage, identity, and musical legacy. It brings audiences back to a time when Sudirman’s voice echoed through the streets and touched countless hearts. Although there are some areas that can be improved, such as voice stamina and minor stage coordination, the overall production is a heartfelt, nostalgic, and beautifully crafted tribute. It reminds us that Sudirman’s songs are more than just melodies, they are part of our nation’s memory, carrying with them the stories of who we were, and who we still are.