Randai Macbeth - Muhammad Haziq Haiqal Bin Asmadie

 

Critic on theatre Randai Machbeth

Intercultural theatre frequently risks falling into the trap of superficial exoticism, where traditional art forms are reduced to mere decorative backdrops for canonical Western texts. However, the Akademi Seni Budaya dan Warisan Kebangsaan (ASWARA) production of Randai Macbeth, adapted and directed by Dr. Norzizi Zulkifli, avoids this pitfall. By filtering William Shakespeare’s dark, psychological tragedy through the highly structured, ritualistic lens of the Minangkabau randai tradition, the production creates a fierce dialectical relationship between West and East.

First staged to critical acclaim and later revived at the Panggung Eksperimen ASWARA and Singapore’s Esplanade Pesta Raya, this production transposes the Scottish play into a distinct Nusantara ecosystem. The core thematic preoccupations of Macbeth—unbridled ambition, cosmic disorder, moral decay, and the inevitable retribution of fate—find an organic home within the warrior ethos and metaphysical worldview of traditional Malay-Minangkabau performance. An academic critique of this production requires an evaluation of how effectively psychological realism coexists with stylized folk aesthetics. While the structural synthesis is exceptionally potent, the hybridization inevitably demands distinct narrative and emotional concessions.The success of this structural marriage lies in how the anak randai (the ensemble) are deployed. In Western staging, Macbeth’s isolation is typically portrayed through empty stage space or stark lighting. In this production, the 10-member ensemble forms a living, breathing, claustrophobic circle that physically traps Macbeth (played by Che Kem) and Puan Macbeth (Juhara Ayob). The legaran functions effectively like a Greek chorus or an externalized conscience. Whenever Macbeth contemplates or commits an atrocity, the ring constricts, moving with aggressive precision. The ensemble does not merely watch the tragedy; their physical presence reminds the audience that in the communal worldview of the Nusantara, a ruler's moral transgression is a collective, cosmic crisis, not an isolated psychological event.

The primary aesthetic tension in Randai Macbeth is the negotiation between Western psychological realism—which demands internal emotional transparency—and the non-naturalistic, highly externalized vocabulary of traditional Asian performance. The production bridges this gap by utilizing bunga silat (martial arts postures) as physical metaphors for the characters' internal state.When Macbeth contemplates the murder of King Duncan, Che Kem does not rely solely on vocal inflections to convey fear; his body drops into a low, defensive kuda-kuda stance. The physical exertion required to maintain these martial postures externalizes the intense weight of his guilt.Similarly, the substitution of the three Scottish witches with traditional, chanting mystical figures anchors the supernatural elements deeply within the realm of local folklore and ilmu hitam (black magic). The weird sisters are transformed from external agents of fate into manifestations of indigenous cosmic imbalance. Their movements are slow, distorted, and predatory, matching the creeping corruption of Macbeth's mind. The violence of the play is sublimated into choreography. Rather than literal, messy sword fights, the climactic battle scenes are executed via clean, aggressive silat exchanges, transforming a historical bloodbath into an elegant, ritualistic purge of evil.

 

The sonic landscape of Randai Macbeth is perhaps its most triumphant achievement. Traditional randai is driven by the acoustic output of the performers themselves through tapuak galembong—the sharp, percussive slapping of the wide-set, low-crotch traditional trousers. The Acoustic Effect: The tapuak in this production acts as a substitute for a cinematic score. When Macbeth’s paranoia peaks, the tempo of the ensemble’s clapping and slapping accelerates, creating an organic, deafening heartbeat that echoes through the theatre.This acoustic foundation is layered with traditional live instrumentation, including the piercing wail of the saluang (bamboo flute) and the metallic resonance of the talempong (gongs). Under the musical guidance and vocal performance of contributors like Dr. Nor Azura Abu Bakar, the gurindam chants replace Shakespeare's iconic soliloquies. Instead of Macbeth speaking his inner thoughts directly to the audience in blank verse, the haunting vocal melodies externalize the moral judgment of the universe.Visually, the production opts for an evocative minimalism that respects both the bare-stage convention of traditional randai and modern contemporary design. The staging relies heavily on symbolic props and fabrics. For instance, the murder of King Duncan is executed off-stage, but its violent reality is brought into the circle through the dropping of stark, blood-stained cloths from a raised tier. This restraint allows the vibrant colors of the traditional costumes and the structural geometry of the performance circle to remain the primary visual focus, proving that traditional forms do not require high-tech stagecraft to achieve contemporary dramatic weight.

Despite its clear successes, Randai Macbeth is not without significant artistic compromises. The primary critique centers on the pacing and the severe narrative compression required to fit a sprawling five-act Western play into a 120-minute randai structure.To maintain the cyclical rhythm of legaran – baba – legaran, vast swaths of Shakespeare's text, minor characters, and subplots must be discarded. While this hyper-focuses the lens on the central couple, it significantly accelerates the plot. Macbeth’s transition from a loyal, conflicted general to a cold-blooded tyrant happens with alarming speed. In the original text, the descent is an agonizingly slow erosion of human decency; here, it occasionally feels like a series of rapid, plot-driven checkpoints.Furthermore, the unyielding structure of randai creates moments of emotional friction. In a standard dramatic production, a scene like Lady Macbeth’s sleepwalking sequence relies on sustained, uninterrupted tension as she tries to wash the imaginary blood from her hands. Just as the audience is pulled into the raw intimacy of her madness, the segment ends, and the leader of the anak randai lets out the traditional transition cue: "Tak Aiii..., Ih, Ap, Tah, Tih!" The ensemble instantly resumes their high-energy, rhythmic circular walking, accompanied by loud trouser-slapping. While this serves the traditional form perfectly by signaling a change in space and time, it can feel jarring to a contemporary audience. The sudden shift forces an emotional distancing (resembling a Brechtian Verfremdungseffekt or alienation effect), abruptly breaking the psychological intimacy and dramatic momentum that the actors worked hard to construct.

 

 

Another fascinating point of critique is the translation of character motivations into a Malay-Minangkabau cultural framework. Minangkabau culture is famously matrilineal, a society where women hold significant ancestral authority, lineage, and property rights. This cultural backdrop adds an intriguing layer of complexity to the character of Puan Macbeth.In a Western context, Lady Macbeth is often portrayed as a transgressive force who must "unsex" herself, discarding her traditional feminine empathy to assume a masculine ruthlessness. However, played within the randai framework by Juhara Ayob, Puan Macbeth’s manipulation feels less like a complete subversion of gender roles and more like a perversion of localized maternal and matriarchal power. Her influence over Macbeth is quiet, deliberate, and deeply grounded in domestic authority.When she questions Macbeth’s manhood, it carries a double resonance in a cultural context where a man’s honor is inextricably tied to his standing within his wife's clan (suku). Macbeth’s subsequent desperation to secure the throne is driven not just by a vague, abstract lust for power, but by a manic need to assert dominance in an ecosystem where cosmic, political, and domestic structures are completely intertwined. This subtle shift in characterization shows how the intercultural process can breathe fresh, localized meaning into centuries-old Western character tropes.

Ultimately, ASWARA’s Randai Macbeth is a highly successful piece of intercultural theatre that demonstrates the profound elasticity of traditional performance methods. Rather than treating randai as a fragile museum artifact that must be preserved under glass, Dr. Norzizi Zulkifli treats it as a living, robust artistic vocabulary capable of wrestling with world literature's heaviest themes.The production does not entirely solve the friction between Western psychological realism and Eastern stylized ritual; instead, it leans into that friction, making the formal clash part of the performance's energy. The structural compromises and occasional drops in emotional momentum are small prices to pay for what is achieved: a visceral performance where Shakespeare's Scottish play feels less like an untouchable text from early modern England, and more like an ancient, tragic law written directly into the cultural soil of the Nusantara. For theatre students and practitioners alike, it stands as a brilliant blueprint for how cross-cultural adaptation should be approached: with deep respect for the source text, and an even deeper mastery of the traditional form.

GOH JIA JUN - Qasidah Terakhir

 

During 21st November, my friends and I headed toward the Auditorium of Dewan Bahasa & Pustaka to witness a powerful theatre drama - “Qasidah Terakhir”. The play was made by Roydy Rokidy and the performance showtime was around an hour. Qasidah Terakhir is a play that talks about a man’s fight to reclaim his honor after being falsely accused of a heinous crime and exiled from his village.

Let us talk about the set and props first. It was so simple: just a house, a pondok for Qasidah and a place for village meetings, that’s it. Even though it’s less, I think it’s already enough. It clearly establishes location, mood and social context without overcrowding the stage, effectively suggesting a rural or small-town environment while giving actors the freedom to move and perform naturally. For example, there’s only one complete house display which is Bukhari’s house because he is the main character, and there is a lot of space not only from the backstage but also behind the audience, the space allows them to act like they came out from their house like neighbourhood. Overall, the set and props support the story by creating a believable environment that feels lived-in yet flexible, letting the performance flow naturally from moment to moment.

Next, the lighting. The lighting in this show is crucial because it acts as the emotional backbone of the performance, shaping mood, time and focus in ways the minimalist set alone cannot. Each lighting choice shifts the audience’s perception—warm bright tones create a lively daytime community, stark spotlights isolate characters during intense or personal moments, and cool blues with warm back glows evoke quiet nights or reflective conversations. For example, the last scene which is Bukhari’s death. There’s not so much colour with the lighting but only white spotlight. It feels sad.  And also, they only showed up the light on the space that characters have conversation. And when another actor came up from the other side, they lit up that place, which tells us where we should focus while every part of the theatre plays. By directing attention, enhancing atmosphere and supporting the storytelling rhythm, the lighting becomes a silent narrator that deepens every scene and gives the entire production its emotional texture.

Next, what we cannot miss is the actor's performance. We have our main character, Bukhari, who is also my favourite character on that day. For me, Bukhari is a person that is so pure and innocent. He always believes that every good deed he does will be rewarded. But, he was wrong. Sometimes, there was no good deed in this world. And in the end, Bukhari’s character reminds us of the harsh reality that goodness alone cannot shield a person from betrayal or injustice. His downfall at the hands of someone he trusted the most not only exposes the fragility of human relationships, but also emphasizes how envy can corrupt even the closest of friends. Yet, despite all the pain he endures, Bukhari’s unwavering sincerity becomes a powerful contrast to the cruelty around him, making his story one of the most impactful elements of the performance. Through Bukhari, the show ultimately invites the audience to reflect on the value of integrity, and the emotional cost of living in a world where innocence is not always protected.

Overall, Qasidah Terakhir is more than just a theatre performance—it is a deeply human experience that lingers long after the final spotlight fades. The production successfully blends simple staging, powerful lighting choices and emotionally charged performances to create a world that feels both intimate and painfully real. What impressed me most was how every artistic decision, no matter how small, contributed to the larger message of the story: that truth is fragile, that innocence can be easily tainted by lies, and that society often chooses judgement over compassion. Bukhari’s tragic arc serves as a mirror to our own world, where people are quick to believe rumors and slow to seek the truth, and where envy can turn even the closest bond into a weapon. Watching his downfall unfold made me realise how damaging unchecked assumptions can be, and how important it is to defend what is right even when it is difficult. As I left the auditorium, I carried with me a mix of sorrow, admiration and introspection. The show not only showcased the beauty of Qasidah as an art form, but also reminded us that every voice, every intention and every action carries weight. Qasidah Terakhir succeeds in being a performance that entertains, teaches and awakens, leaving the audience with a deeper appreciation of humanity and the moral choices we face every day.

HADHIRATUL LAIYINA-Matinya seorang pahlawan

Kritikan Teater Matinya Seorang Pahlawan: Antara Kesetiaan, Keadilan dan Suara yang Tidak Selalu Didengar.

Pementasan Matinya Seorang Pahlawan merupakan adaptasi karya sasterawan negara Datuk Dr. Usman Awang yang mengangkat semula tragedi legenda Hang Tuah dan Hang Jebat. Persembahan ini berlangsung di Auditorium Tunku Abdul Rahman, MaTiC, Kuala Lumpur, dengan durasi sekitar satu jam lima belas minit. Produksi ini diarahkan oleh Prof. Madya Dr. Lena Hussain dengan sokongan tenaga kreatif termasuk pengarah muzik Mirzan Isa dan pengarah artistik Nadhilah Suhaimi.

Secara naratif, pementasan ini menelusuri konflik antara kesetiaan kepada raja dan tuntutan keadilan apabila Hang Tuah yang disangka mati sebenarnya diselamatkan dan kembali untuk menentang Hang Jebat yang telah bangkit membela sahabatnya. Konflik dua sahabat ini menjadi teras utama persembahan, diakhiri dengan tragedi yang menyentuh persoalan moral dan nilai dalam masyarakat Melayu tradisional.

Unsur tambahan seperti watak penglipur lara yang berfungsi sebagai narator memberikan lapisan penceritaan yang lebih luas, sementara penggunaan muzik secara langsung menambah suasana dramatik sepanjang persembahan.

Analisis

Dari sudut lakonan dan pengarahan, produksi ini boleh dianalisis menggunakan pendekatan Bertolt Brecht yang menekankan kesan jarak (Verfremdungseffekt) kepada penonton. Kehadiran watak penglipur lara secara langsung yang menceritakan semula peristiwa kepada penonton tidak membenarkan audiens terlalu tenggelam dalam emosi semata-mata, sebaliknya mengajak mereka menilai semula tindakan watak secara kritikal.

Namun begitu, dalam beberapa aspek teknikal, terdapat ketidakseimbangan yang memberi kesan kepada keberkesanan persembahan. Projeksian suara sesetengah pelakon kurang konsisten, menyebabkan dialog tertentu sukar didengar dengan jelas terutamanya dalam babak yang mempunyai intensiti tinggi. Hal ini sedikit sebanyak mengganggu aliran dramatik dan mengurangkan impak emosi yang sepatutnya sampai kepada penonton.

Selain itu, penggunaan muzik secara langsung merupakan satu kekuatan produksi kerana ia berjaya membina suasana tegang dan tragik, khususnya dalam babak pertembungan Hang Tuah dan Hang Jebat. Walau bagaimanapun, terdapat beberapa ketika di mana muzik tersebut terlalu dominan sehingga menenggelamkan dialog penting, sekali gus mengganggu keseimbangan antara audio dan lakonan.

Dari segi pengarahan, struktur penceritaan yang melibatkan narator memberikan kelancaran transisi antara babak, namun terdapat ruang penambahbaikan dalam aspek tempo persembahan agar momentum dramatik dapat dikekalkan dengan lebih konsisten.

Interpretasi

Dari sudut interpretasi, Matinya Seorang Pahlawan tidak hanya mengangkat kisah sejarah atau legenda, tetapi turut mencerminkan konflik nilai yang masih relevan dalam masyarakat hari ini. Persoalan utama antara kesetiaan kepada autoriti dan tuntutan keadilan moral menjadi inti perbincangan yang tidak pernah selesai, sama ada dalam konteks tradisional mahupun moden.

Hang Jebat dalam pementasan ini boleh dilihat sebagai simbol individu yang menentang ketidakadilan, manakala Hang Tuah mewakili kesetiaan yang tidak berbelah bahagi terhadap sistem. Pertembungan kedua-dua nilai ini menimbulkan persoalan kepada penonton: adakah kebenaran sentiasa selari dengan ketaatan?

Pendekatan Brecht yang digunakan secara tidak langsung melalui narator menguatkan lagi mesej bahawa penonton tidak hanya perlu bersimpati dengan watak, tetapi juga menilai struktur kuasa yang membentuk konflik tersebut. Dengan ini, persembahan berjaya membuka ruang refleksi terhadap realiti sosial semasa, di mana isu keadilan dan kuasa masih menjadi perdebatan dalam pelbagai lapisan masyarakat.

Penilaian

Secara keseluruhan, Matinya Seorang Pahlawan merupakan sebuah pementasan yang kuat dari segi naratif dan konsep, dengan kekuatan utama terletak pada konflik dramatik dan penggunaan muzik serta narator sebagai elemen penceritaan. Babak pertembungan Hang Tuah dan Hang Jebat menjadi kemuncak persembahan yang berjaya memberikan impak emosi dan visual kepada penonton.

Namun demikian, produksi ini masih mempunyai beberapa kelemahan yang perlu diberi perhatian. Isu projeksi suara pelakon yang tidak konsisten serta keseimbangan audio yang kurang stabil mengganggu pengalaman tontonan secara keseluruhan. Dalam sebuah pementasan yang bergantung kuat kepada dialog dan emosi, aspek teknikal seperti ini memainkan peranan yang sangat penting dalam memastikan mesej sampai dengan jelas kepada penonton.

Walaupun begitu, keberanian produksi ini dalam menghidupkan semula teks klasik Usman Awang dalam bentuk persembahan pentas patut dipuji. Ia bukan sahaja mengekalkan nilai sastera asal, malah memperkenalkannya semula kepada penonton moden dalam bentuk yang lebih visual dan dramatik.

Sebagai cadangan penambahbaikan, keseimbangan audio perlu diperhalusi dengan lebih teliti, manakala latihan projeksi suara pelakon boleh dipertingkatkan agar setiap dialog dapat disampaikan dengan lebih jelas. Tempo persembahan juga boleh diperkemaskan supaya setiap babak mempunyai ruang emosi yang lebih seimbang.

Akhirnya, pementasan ini berjaya menimbulkan persoalan penting tentang makna sebenar seorang “pahlawan” dalam masyarakat, sama ada dia yang taat tanpa soal atau dia yang berani menentang demi keadilan.

#Hashtag

#TeaterMalaysia #KritikanSeniPersembahan

NUR ARIFAH - Betisnya bunting padi

Betisnya bunting padi merupakan sebuah produksi projek tahun akhir. Produksi ini telah menilai beberapa pelajar iaitu pengurus produksi, pengarah dan dua orang pelakon. Kesemua jawatan yang dinilai ini dipegang oleh pelajar tahun akhir sarjana muda drama, tidak dinafikan produksi ini dibantu oleh beberapa pelakon jemputan, jurulatih lakon luar dan juga pelajar- pelajar tahun 1 & 2 daripada bidang dan juga fakulti berlainan.

Karya betisnya bunting padi merupakan sebuah nashkah karya sasterawan negara, DATUK DR. USMAN AWANG. Nashkah ini menceritakan tentang sepasang suami isteri, kamal dan aziah yang menghadapi sedikit salah faham yang menjejaskan hubungan mereka. Kamal merupakan seorang pelukis manakala aziah seorang pelakon drama radio. Konflik tercetus apabila kamal membuat pilihan untuk melukis “betis” milik model baharunya. Aziah merasakan cemburu dan mula bermesraan bersama rakan pelakonnya dihadapan suaminya. Bermulalah keselisihan faham dan bercambahnya perasaan cemburu di antara mereka berdua.

Kadangkala teater- teater yang dipersembahkan oleh pelajar universiti lebih cenderung untuk melakukan eksperiment ketika berada di atas pentas tidak kira dari segi penghasilan skrip, konsep persembahan mahupun gaya lakonan. Bagi saya produksi ini mengambil langlah yang unik bagi menghasilkan persembahan mereka kerana bukan sahaja mereka melakonkan era yang tidak pernah mereka jejaki atau jalani tapi mereka mengetengahkan konsep hitam putih seperti di dalam filem p. Ramlee. Seperti yang kite boleh fahami filem-filem p.ramlee ini dihasilkan ketika era kaca filem belum berwarna. Teater betisnya bunting padi telah menghasil sebuah produksi hitam putih di pentas panggung eksperiment universiti malaya.

Watak kamal di bawak oleh asri zamri telah berjaya membawa watak sebagai seorang suami kepada aziah yang dipegang oleh aisy ezmi. Gandingan dua pelakon ini bukan sahaja berjaya menyampaikan cerita kepada penonton tetapi setiap permainan pentas, setiap dialog dan setiap ekspresi telah memberi rasa kepada penonton seperti berada di dalam cerita tersebut 

Dari pandangan saya produksi ini memberi inspirasi kepada pelajar-pelajar lain untuk terus bereksperiment dengan konsep-konsep yang ada bagi menghasilkan persembahan yang menarik.

Review of A Better Place by Kasih Iman

My Review of A Better Place

Watching A Better Place was one of the most emotionally intense theatre experiences I have had. From the moment the performance began, I was drawn into what seemed like a calm and comforting atmosphere. The soft lighting, haunting melody, and the four sisters dressed in white immediately gave me the impression that I was about to watch a simple family drama. However, as the story unfolded, I realised that the peaceful setting was only hiding something much darker.

What impressed me the most was how the production used symbolism to tell the story. To me, the white dresses did not simply represent innocence. Instead, they reflected society’s expectations of women to always appear pure, polite, and emotionally composed. As each sister’s struggles became more visible, I felt that the costumes gradually lost their original meaning. They became symbols of the pressure women face to hide their pain while maintaining the image of being perfect.

I also appreciated how the play presented mental health through different perspectives. Each sister experienced trauma in her own way, allowing me to understand that emotional suffering is never identical from one person to another. Some people isolate themselves, some rely on unhealthy coping mechanisms, while others continue suffering in silence. This approach made the story feel realistic because it reminded me that mental health cannot be reduced to a single experience.

Another aspect that stood out to me was the portrayal of the mother. I did not see her as simply the antagonist. Instead, I viewed her as someone who had internalised the patriarchal beliefs that she continued to impose on her daughters. Although her actions were harmful, I felt that the production was showing how people can become part of an oppressive system without questioning it. This made the family conflict feel much more believable and emotionally complex.

The basement was one of the strongest symbols in the production. I interpreted it as more than a physical location. To me, it represented silence, control, and the suppression of women who fail to meet society’s expectations. This metaphor left a strong impression on me because it communicated the emotional imprisonment experienced by the characters without relying on excessive dialogue.

From my perspective, the performances were one of the production’s greatest strengths. The cast delivered their emotions convincingly through facial expressions, body language, and meaningful interactions. I also thought the lighting, music, and stage design worked together beautifully to strengthen the emotional atmosphere. Every technical element supported the storytelling and allowed me to connect with the characters on a deeper level.

Although A Better Place explores difficult subjects such as trauma, self harm, addiction, and suicide, I never felt that these themes were included simply to shock the audience. Instead, I believe every scene served a meaningful purpose. The production encouraged me to reflect on how emotional neglect, unrealistic expectations, and the stigma surrounding mental health can gradually destroy a person’s sense of self.

Overall, I think A Better Place is a meaningful and emotionally powerful production. It does much more than tell the story of four sisters. It encourages me to reflect on how society often expects women to remain silent, resilient, and perfect despite their emotional struggles. At the same time, it reminds me that healing is not a straightforward journey and that empathy is essential when supporting those who are facing mental health challenges.

Overall Rating: 9 out of 10

Personally, I left the theatre feeling emotionally overwhelmed in the best possible way. A Better Place is not just a performance that entertains. It is a production that challenged my perspective, stayed in my mind long after the final scene, and reminded me of the importance of listening to struggles that often go unnoticed.

NURUL FATIN ABDULLAH - TEATER NORMCORE ODISI ROMANSA

 TEATER NORMCORE ODISI ROMANSA

Pementasan Teater Normcore merupakan sebuah siri persembahan dan konsep estetika teater kontemporari tempatan yang diasaskan oleh penulis dan pengarah Ridhwan Saidi bersama Moka Mocha Ink serta Ensembel Teater Kaos Nol. Konsep ini berakar daripada idea mengangkat keindahan perkara biasa atau harian menerusi pendekatan minimalis yang intim. Kesannya, fokus pementasan diletakkan sepenuhnya pada kekuatan teks (skrip), lakonan, dan manipulasi ruang berbanding hiasan set yang sarat. Melalui pendekatan yang bersahaja namun sarat dengan lapisan falsafah serta puitis, Teater Normcore berfungsi sebagai wadah eksplorasi naskah berdurasi penuh yang mencabar persepsi audiens terhadap realiti biasa menjadi sebuah pengalaman teater yang luar biasa.

Naskah terbaharu Ridhwan Saidi, Odisi Romansa yang dipentaskan di Damansara Performing Arts Centre (DPAC), membawakan latar era pasca-manusia. Pementasan ini mengajak khalayak meneroka alam semesta alternatif yang tidak lagi berpaksikan fizikal, sebaliknya ditopang sepenuhnya oleh aliran ingatan, data, dan sisa-sisa pemikiran manusia yang ditinggalkan. Justeru, penerapan Teori Simbolisme digunakan bagi mewakili idea metafizik dan emosi batiniah. Elemen teknologi seperti data digital dan aliran kod disimbolkan sebagai keabadian jiwa serta memori manusia yang kekal wujud secara ontologikal meskipun era biologi pasca-manusia telah berakhir. Sementara itu, sisa pemikiran yang terapung digambarkan melalui gangguan teknologi (glitches atau gema audio) sebagai simbol kepada trauma, kerinduan, dan sisa cinta yang tidak boleh dipadamkan oleh algoritma.

Kritikan ini mengaplikasikan Teori Simbolisme yang diasaskan oleh Godfrey Lienhardt, seorang antropolog sosial Inggeris. Lienhardt menyatakan bahawa simbol-simbol keagamaan dan mitos merupakan representasi daripada pengalaman batin, emosi, dan realiti kehidupan masyarakat. Beliau menjelaskan bertapa fungsi simbol adalah untuk menghasilkan kesan (efek) yang diinginkan. Tambahan pula, simbol bukan sahaja memberikan wawasan mengenai perubahan moral dan status sosial, malah turut mengkomunikasikan perubahan tersebut.

Kritikan ini difokuskan kepada bagaimana pelakon mengekspresikan dualiti ini melalui bahasa tubuh mereka. Secara keseluruhannya, saya berpandangan bahawa struktur dramatik pementasan ini gagal membantu penonton memahami jalan cerita pada fasa awal. Sepanjang pementasan, struktur dramatik sukar difahami akibat kekurangan ekspresi lakonan yang dinamik. Rentetan itu, penonton hanya mampu menangkap naratif persembahan apabila ia mula memasuki bahagian kemuncak sehinggalah ke akhir cerita. Sebagai tulang belakang sesebuah naskah teater, ketiadaan struktur yang kukuh atau penyampaian yang lemah akan menyebabkan persembahan kehilangan arah, gagal mengekalkan perhatian penonton, dan menghalang mesej utama daripada disampaikan dengan berkesan.

Pada bahagian eksposisi, pengenalan watak ditonjolkan dengan mudah dan efektif melalui penggunaan projektor. Teknologi ini memberikan imbasan imbas kembali (flashback) kepada kisah percintaan watak yang dirakam menggunakan telefon bimbit. Pada fasa ini, penonton memberikan tumpuan sepenuhnya kerana teruja untuk memahami alur cerita dan meneliti teknologi harian yang dijadikan simbol utama. Dalam ruang normcore, gajet bukan lagi sekadar alat berhubung, sebaliknya bertukar menjadi kotak memori yang menyindir realiti watak mereka kelihatan terperangkap dalam kehidupan seharian yang banal (biasa), padahal emosi mereka sedang mengembara jauh di sebalik dunia digital yang kaku.

Bagaimanapun, apabila memasuki fasa aksi meningkat (rising action), struktur dramatik pementasan menjadi kurang jelas akibat teknik penyampaian ekspresi lakonan yang mengelirukan. Walhal, dalam teater simbolisme, ekspresi pelakon merupakan kunci utama untuk menterjemah jalan cerita. Apabila pelakon gagal memberikan impak ekspresi yang kuat, seluruh lapisan simbol (seperti data, kosmos, dan hikayat) yang terbina dalam skrip akan runtuh. Kegagalan ini menyebabkan teater tersebut tidak mencapai fungsi utama yang digariskan oleh Lienhardt, iaitu untuk menggerakkan emosi, menjentik moral, dan mengubah persepsi penonton. Walaupun fokus saya terhadap struktur dramatik terganggu, kejelasan artikulasi dan vokal dialog yang dilontarkan oleh pelakon sedikit sebanyak berjaya menutupi kelemahan teknikal lakonan tersebut.

Fasa klimaks menjadi titik penting di mana emosi dan ketegangan yang dikumpul sejak awal cerita akhirnya dilepaskan sepenuhnya kepada penonton. Bahagian ini berjaya membuka mata saya dan memberikan impak kesedaran yang tinggi. Sifat hambar atau kaku daripada awal persembahan rupanya merupakan tuntutan tuntunan watak, di mana pelakon perlu berinteraksi dan berdialog secara mekanikal seperti robot. Konsep pasca-manusia yang sarat dengan elemen teknologi ini ternyata memberikan cabaran serta tekanan yang hebat kepada pelakon untuk menyampaikan struktur dramatik secara terus kepada audiens. Pengamatan ini membuktikan bahawa pemilihan Teori Simbolisme adalah sangat kukuh untuk mengkritik dinamika struktur dramatik dalam pementasan ini.

Fasa aksi menurun (falling action) pula membawa kesedaran yang mendalam mengenai realiti manusia pascamoden yang terlalu bergantung kepada teknologi sehingga mengabaikan peradaban harian, seperti meluangkan masa berkualiti bersama orang tersayang. Berdasarkan pementasan ini, teknologi bertindak sebagai medium untuk mengimbas kembali kenangan dan kisah lampau. Malah, keupayaan memori teknologi digambarkan mampu mengatasi had ingatan manusia serta rutin sosial. Kehadiran memori sebagai simbolisme dalam fasa ini memperlihatkan kepentingan teater kontemporari moden seperti ini untuk terus dikekalkan dalam masyarakat sebagai alat refleksi kendiri.

Pada fasa resolusi di akhir persembahan, penonton akhirnya dapat menyusun semula rantaian cerita dari awal hingga akhir, di mana teknologi diletakkan sebagai paksi utama. Melalui lensa Teori Simbolisme, kedudukan teknologi sebagai simbol utama pementasan telah berjaya menjustifikasikan kritikan terhadap keseluruhan struktur dramatik yang terkandung dalam persembahan teater Normcore: Odisi Romansa ini.

Secara keseluruhannya, teater Normcore: Odisi Romansa berjaya membawa idea dunia pasca-manusia yang mendalam melalui simbol teknologi. Walaupun lakonan yang kurang ekspresif pada fasa awal (eksposisi ke rising action) membuatkan struktur cerita agak kabur, persembahan ini berjaya diselamatkan pada fasa klimaks hingga penamat melalui lakonan mekanikal yang mantap. Penggunaan gajet di atas pentas bukan sekadar hiasan, tetapi menjadi simbol kuat yang menyindir kesunyian dan kerapuhan hubungan manusia moden. Teater eksperimental ini sangat penting untuk terus dipentaskan kerana ia berjaya mencabar minda dan memberi pengajaran mendalam kepada penonton.

NUR SYAKIRIN - IMAGINA

  Pementasan teater IMAGINA yang dilakonkan oleh pelajar ASWARA mengangkat dunia imaginasi kanak-kanak berasaskan digital sebagai inti penceritaan. Persembahan ini mengisahkan pengalaman watak Putih dan Merah yang bermain permainan di dalam Ipad sehingga membawa mereka ke dalam dunia imaginasi yang sentiasa berubah-ubah. Dalam dunia tersebut, muncul watak Imagina, iaitu seorang puteri raja yang dicipta oleh Putih melalui permainan digital. Pada masa yang sama, terdapat seorang budak lelaki yang menolak konsep Imagina lalu mengubah dunia permainan tersebut menjadi dunia dinosaur. Pertembungan antara dua dunia imaginasi yang berbeza ini akhirnya mencetuskan konflik dan huru-hara sepanjang perjalanan cerita.

  Penulisan ini memfokuskan tentang lakonan dan pengarahan yang menggunakan teori formalisme, iaitu menekankan struktur, teknik persembahan, dan juga aspek bentuk yang dibawa oleh produksi bagi menjayakan pementasan ini.  Persembahan ini turut memaparkan pelakon yang membawa watak-watak dalam dunia permainan secara langsung di atas pentas, menjadikan penonton melihat perubahan antara dunia realiti dan dunia imaginasi secara serentak.

  Pelakon menggunakan gaya stylised acting, iaitu bukan berasaskan kehidupan nyata bagi watak imaginasi yang direka. Penggunaan pergerakan tubuh yang besar, jelas dan simbolik oleh para pelakon merupakan satu keputusan artisik yang disengajakan oleh pengarah bagi membezakan dunia realiti dan dunia imaginasi. Sebagai contoh, watak dalam dunia realiti dilakonkan secara lebih natural dengan dialog dan pergerakan yang menyerupai kehidupan harian, manakala watak imaginasi seperti mawas dipersembahkan dengan kostum besar, pergerakan agresif serta suara yang lantang sebagai simbol kepada karakter tersebut. Perbezaan ini membantu penonton mengenal pasti lapisan dunia yang berbeza dalam persembahan tanpa perlu penjelasan verbal yang berlebihan. Secara keseluruhan, peralihan watak yang dipersembahkan adalah jelas dan membantu penonton memahami perubahan karakter realiti dan imaginasi.

  Pementasan ini menunjukkan kekuatan yang ketara dalam aspek lakonan, khususnya dari segi konsistensi peralihan watak yang jelas dan terarah. Perubahan karakter yang berlaku dalam setiap babak dapat diikuti dengan baik oleh penonton, sekali gus mengekalkan kejelasan identiti setiap watak tanpa menimbulkan kekeliruan. Hal ini memperlihatkan kawalan lakonan yang rapi serta pemahaman yang baik terhadap perkembangan emosi dan situasi dramatik yang dibawa.

  Selain itu, ekspresi emosi yang ditunjukkan dalam semua babak juga berjaya disampaikan dengan meyakinkan dan seimbang. Pendekatan ini bukan sahaja menambah nilai estetika persembahan, malah turut mengukuhkan lagi penyampaian makna dalam setiap adegan. Aspek lakonan berjaya menyokong struktur pementasan dengan baik dan membantu penonton memahami perjalanan naratif secara lebih jelas dan berkesan.

  Dari sudut pengarahan pula, IMAGINA memperlihatkan struktur episodik yang jelas melalui peralihan antara dunia realiti, dunia permainan dan dunia imaginasi. Pengarah menggunakan elemen pergerakan pelakon serta penggunaan ruang pentas yang sangat baik untuk membezakan setiap dunia dan bergantung kepada set yang kompleks. Pendekatan ini menunjukkan bahawa pengarah lebih menekankan bentuk persembahan melalui penggunaan set yang bersifat realistik dan juga imaginasi. Perubahan kedudukan dan pergerakan pelakon di atas pentas menjadi petunjuk visual kepada penonton untuk mengenal pasti perubahan ruang dan situasi. Hal ini menjadikan setiap pertukaran babak lebih mudah difahami serta mengekalkan kelancaran penceritaan. Pendekatan tersebut juga selari dengan teori formalisme yang memberi penekanan terhadap susunan teknik persembahan. Setiap peralihan babak dibina melalui perubahan tenaga pelakon dan komposisi pentas, menjadikan ruang pentas sebagai medium utama dalam menyampaikan naratif.

  Namun begitu, pada pandangan saya, terdapat sedikit perkara yang boleh diperbaiki dari segi audio persembahan. Penggunaan nyanyian secara  rakaman dalam beberapa babak kadang-kadang kelihatan kurang seimbang, malah agak ketara apabila tidak selari dengan pergerakan mulut. Perbezaan dari segi tenaga dan kejelasan suara juga dapat dirasai, sekali gus sedikit menjejaskan konsistensi pengalaman penonton. Tetapi, terdapat juga pelakon yang menyanyi secara langsung telah menarik perhatian saya. Walaupun begitu, penggunaan kedua-dua bentuk ini masih boleh difahami sebagai variasi dalam gaya persembahan. Namun, ia perlu diseimbangkan dengan lebih baik agar aliran audio akan jadi lebih lancar dan tidak mengganggu fokus utama pementasan.

  Dari segi pencahayaan pula, penggunaan warna cahaya yang pelbagai menjadikan setiap babak kelihatan lebih hidup dan menarik. Pencahayaan ini turut membantu membina suasana serta memberi penegasan terhadap emosi dan perubahan yang berlaku dalam penceritaan.

  IMAGINA boleh ditafsirkan sebagai sebuah gambaran terhadap dunia imaginasi kanak-kanak yang dibentuk melalui permainan digital. Dunia permainan dalam Ipad menjadi simbol kepada ruang imaginasi moden yang semakin mempengaruhi cara kanak-kanak berfikir, mencipta dan berinteraksi dengan dunia sekeliling.

  Perjalanan watak dalam dunia IMAGINA boleh dilihat sebagai metafora kepada proses perkembangan diri, di mana setiap rintangan yang dilalui melambangkan cabaran dalam usaha mencapai sesuatu yang bermakna. Dalam konteks ini, misi pencarian mak dan ayah kepada Imagina juga membawa makna emosi yang lebih mendalam iaitu kasih sayang dan hubungan kekeluargaan.

  Pertembungan antara dunia Imagina dan dunia dinosaur pula boleh ditafsirkan sebagai simbol kepada perbezaan imaginasi dan kehendak individu yang berbeza. Penggunaan gaya lakonan yang tidak realistik menunjukkan bahawa karya ini tidak bertujuan untuk meniru kehidupan sebenar, sebaliknya membina satu pengalaman teater yang bersifat simbolik dan visual.

  Secara keseluruhan, IMAGINA merupakan sebuah karya yang berjaya dari sudut formalistik kerana mengutamakan bentuk persembahan melalui stylised acting serta pengarahan yang tersusun dalam membina dunia imaginasi di atas pentas. Gabungan elemen visual, pergerakan pelakon dan struktur penceritaan menjadikan setiap perubahan antara dunia realiti dan dunia imaginasi dapat diikuti dengan jelas oleh penonton, walaupun konsep yang diketengahkan bersifat abstrak dan imaginatif. Di samping itu, pendekatan pengarahan yang kreatif berjaya menghasilkan sebuah persembahan yang dekat dengan dunia kanak-kanak melalui penggunaan imaginasi dan permainan digital sebagai asas penceritaan. Keberkesanan pendekatan ini bukan sahaja menjadikan pementasan lebih menarik untuk ditonton, malah berpotensi memupuk minat golongan kanak-kanak terhadap seni teater sebagai medium hiburan dan pembelajaran yang kreatif.

 

https://www.instagram.com/surakarsa.prod?igsh=cjBucWo0bWN4bWZt

#surakarsa.prod

#imagina2026

#creativearts

ADRIANA HAZWANI - TEATER KANAK-KANAK IMAGINA

 

Teater Kanak-Kanak 'Imagina' yang dipentaskan di ASWARA pada tahun 2026 berjaya membawa penonton menyelami dunia imaginasi yang dekat dengan kehidupan kanak-kanak masa kini. Dengan mengangkat elemen permainan digital sebagai titik permulaan cerita, produksi ini menampilkan hubungan antara dunia realiti dan dunia fantasi secara kreatif. Kritikan ini memfokuskan aspek lakonan dan pengarahan dengan menggunakan pendekatan psikologi kanak-kanak dan imaginasi bagi menilai keberkesanan persembahan tersebut.

Dari sudut deskripsi, cerita bermula dengan dua orang adik-beradik yang sedang menunggu ibu mereka pergi bekerja. Dalam keadaan bosan, mereka bermain sebuah permainan di iPad yang memperkenalkan watak utama bernama Imagina. Imagina hidup bersama ibu bapanya dalam dunia permainan tersebut. Konflik mula tercetus apabila seorang budak lelaki di dunia realiti turut memainkan permainan yang sama, namun memilih untuk bermain secara agresif dan menyerang. Tindakan tersebut menyebabkan rumah Imagina diserang dan memisahkannya daripada ibu bapanya. Imagina kemudiannya tersesat di dalam hutan sebelum bertemu dengan seekor kancil yang membantu dalam pencarian keluarganya.

Melalui pendekatan psikologi kanak-kanak, jalan cerita ini menggambarkan bagaimana imaginasi menjadi medium penting dalam perkembangan emosi dan pemikiran kanak-kanak. Dunia permainan bukan sekadar hiburan, tetapi turut menjadi ruang untuk mereka memahami konflik, persahabatan, keberanian dan kasih sayang keluarga. Pengarah berjaya menghubungkan pengalaman harian kanak-kanak moden yang dekat dengan teknologi digital dengan unsur cerita rakyat melalui kemunculan watak kancil. Gabungan ini menjadikan penceritaan lebih segar serta relevan dengan masyarakat masa kini.

Dari aspek lakonan, keseluruhan pelakon memberikan persembahan yang mantap dan meyakinkan. Setiap watak berjaya menyampaikan emosi yang sesuai dengan perkembangan cerita, terutamanya watak Imagina yang perlu mempamerkan perasaan takut, sedih dan berani sepanjang pengembaraannya. Interaksi antara pelakon juga kelihatan semula jadi dan membantu penonton memahami perjalanan cerita dengan baik. Kejayaan ini menunjukkan komitmen pelakon dan pengarahan yang teliti dalam membentuk karakter yang dekat dengan jiwa penonton kanak-kanak mahupun dewasa.

Selain itu, pengarahan persembahan juga boleh dianggap berjaya kerana aliran cerita yang jelas dan mudah difahami. Walaupun melibatkan dua dunia yang berbeza, iaitu dunia realiti dan dunia permainan, penonton masih dapat mengikuti perkembangan plot tanpa kekeliruan yang ketara. Penggunaan unsur fantasi dan pengembaraan turut mengekalkan perhatian penonton serta menyampaikan mesej tentang kepentingan keluarga, persahabatan dan keberanian menghadapi cabaran.

Walau bagaimanapun, terdapat beberapa aspek teknikal yang sedikit menjejaskan pengalaman menonton. Sistem bunyi merupakan kelemahan yang paling ketara kerana terdapat beberapa dialog yang tidak dapat didengar dengan jelas. Kejelasan suara merupakan elemen penting dalam teater, lebih-lebih lagi bagi persembahan kanak-kanak yang memerlukan penyampaian cerita secara langsung dan mudah difahami. Masalah ini sedikit sebanyak mengurangkan impak emosi dalam beberapa babak penting.

Dari sudut pencahayaan pula, terdapat beberapa perubahan lampu yang kurang selari dengan suasana atau emosi sesetengah adegan. Walaupun penggunaan pencahayaan secara keseluruhannya memadai, terdapat beberapa momen yang memerlukan penekanan visual yang lebih tepat bagi membantu membina suasana dramatik. Penambahbaikan dalam aspek ini akan menjadikan pengalaman penonton lebih mendalam dan selari dengan perkembangan emosi watak.

Namun begitu, kekurangan teknikal tersebut tidak menenggelamkan kekuatan utama produksi ini. 'Imagina' berjaya membuktikan bahawa teater kanak-kanak mampu mengangkat isu yang dekat dengan generasi masa kini, khususnya hubungan antara teknologi dan imaginasi. Dalam era digital, kanak-kanak semakin terdedah kepada permainan elektronik, tetapi karya ini mengingatkan bahawa nilai kekeluargaan, persahabatan dan keberanian masih menjadi asas penting dalam pembentukan diri mereka.

Secara keseluruhannya, Teater Kanak-Kanak 'Imagina' merupakan sebuah produksi yang berjaya dari segi lakonan dan pengarahan serta mempunyai mesej yang relevan dengan masyarakat hari ini. Walaupun terdapat kelemahan dari aspek bunyi dan pencahayaan, persembahan ini tetap memberikan pengalaman yang bermakna dan menghiburkan. Pada masa akan datang, penambahbaikan teknikal mampu menjadikan produksi seperti ini lebih berkesan dalam menyampaikan mesej kepada khalayak. 'Imagina' membuktikan bahawa dunia imaginasi kanak-kanak bukan sekadar ruang permainan, tetapi juga medan untuk memahami kehidupan, keluarga dan nilai kemanusiaan.

NURUL FAIZRIANA FAHIZAM

 Nyala Pijar Hiroshima

Arahan Roydy Rokidy

Pementasan Nyala Pijar Hiroshima arahan Roydi Rokidi mengangkat kisah pekerja di sebuah kilang pengeluaran bunga api yang akhirnya berakhir dengan tragedi kebakaran dan letupan. Walaupun judulnya menggunakan perkataan “Hiroshima”, naratif yang dipersembahkan lebih memfokuskan kepada isu keselamatan pekerjaan, eksploitasi pekerja bawahan, dan kecuaian dalam pengendalian bahan mudah terbakar. Oleh itu, aspek estetika persembahan, khususnya penggunaan pencahayaan, menjadi medium penting dalam membentuk suasana, menyampaikan emosi dan memperkukuhkan mesej pementasan. Kritikan ini menggunakan Teori Semiotik Teater oleh Keir Elam bagi menilai bagaimana pencahayaan berfungsi sebagai tanda yang menghasilkan makna kepada penonton. Saya berpendapat bahawa penggunaan lampu dalam produksi ini berjaya membina suasana dramatik, namun terdapat beberapa aspek yang boleh dipertingkatkan bagi memberikan impak yang lebih mendalam.

Sepanjang persembahan, pencahayaan digunakan secara konsisten mengikut perkembangan cerita. Pada permulaan pementasan, lampu putih dan kuning lembut menerangi keseluruhan ruang pentas bagi menggambarkan suasana sebuah kilang yang masih beroperasi seperti biasa. Set pentas yang menyerupai kawasan industri dipadankan dengan pencahayaan yang terang dan seimbang bagi memberi gambaran realistik terhadap tempat kerja watak Hilal, Robin dan Malik.

Berdasarkan pemerhatian semasa persembahan, penggunaan lampu berwarna merah, jingga, biru dan ungu mula diperkenalkan apabila konflik semakin memuncak. Cahaya merah dan jingga memenuhi bahagian belakang pentas ketika babak-babak yang menggambarkan bahaya di kilang, manakala lampu biru dan ungu digunakan sebagai cahaya pengimbang yang menghasilkan suasana tegang dan tidak stabil. Menjelang babak klimaks iaitu kebakaran dan letupan kilang, intensiti cahaya berubah dengan lebih pantas dan dramatik sehingga menghasilkan gambaran visual seolah-olah api sedang marak.

Setiap elemen visual di atas pentas merupakan sistem tanda yang membantu penonton mentafsir makna sesebuah persembahan. Dalam pementasan ini, pencahayaan bukan sekadar berfungsi untuk menerangi ruang lakonan, malah menjadi bahasa visual yang menyampaikan perkembangan konflik.

Penggunaan cahaya merah merupakan simbol yang paling dominan sepanjang persembahan. Warna ini secara langsung merujuk kepada api, bahaya dan kemusnahan yang sentiasa mengelilingi kehidupan pekerja di kilang bunga api. Apabila Robin didapati memberikan mercun yang rosak kepada kanak-kanak, suasana pentas mula berubah dengan penggunaan tona cahaya yang lebih panas. Walaupun tindakan Robin berpunca daripada niat yang baik, perubahan pencahayaan memberi petunjuk bahawa konflik yang lebih besar sedang menanti.

Selain itu, gabungan lampu merah dengan warna biru dan ungu menghasilkan kontras visual yang menarik. Warna-warna sejuk tersebut mewakili ketidakpastian dan tekanan emosi yang dialami oleh watak-watak, terutamanya Malik sebagai pekerja bawah umur yang berada dalam persekitaran kerja yang berbahaya. Pencahayaan sebegini bukan sahaja menghasilkan komposisi visual yang estetik, malah mengukuhkan keadaan psikologi watak tanpa perlu dijelaskan melalui dialog.

Ketika babak kebakaran dan letupan kilang, perubahan intensiti cahaya berjaya membina ketegangan penonton. Cahaya yang semakin terang dengan dominasi warna merah dan jingga memberikan ilusi kebakaran walaupun tanpa penggunaan kesan khas yang berlebihan. Ini menunjukkan bahawa reka bentuk pencahayaan berjaya memanfaatkan prinsip minimalisme untuk menghasilkan imaginasi yang kuat dalam minda penonton.

Namun begitu, terdapat beberapa bahagian yang menggunakan kombinasi warna hampir sama dalam tempoh yang agak panjang. Hal ini menyebabkan perkembangan emosi antara satu babak dengan babak yang lain tidak begitu ketara. Variasi sudut pencahayaan, penggunaan spotlight atau perubahan intensiti yang lebih drastik berpotensi memberikan kesan dramatik yang lebih kuat kepada setiap perkembangan konflik.

Melalui penggunaan pencahayaan, pengarah berjaya menyampaikan mesej bahawa bahaya tidak semestinya hadir secara tiba-tiba, sebaliknya berkembang sedikit demi sedikit akibat kecuaian, tekanan kerja dan kegagalan mematuhi aspek keselamatan. Cahaya merah yang semakin mendominasi ruang pentas boleh ditafsirkan sebagai lambang bahaya yang semakin hampir sebelum tragedi sebenar berlaku.

Dalam konteks masyarakat hari ini, isu yang diketengahkan amat relevan kerana kemalangan di tempat kerja masih berlaku akibat pengabaian prosedur keselamatan, penggunaan tenaga kerja bawah umur serta kecuaian dalam mengendalikan bahan mudah terbakar. Oleh itu, pencahayaan dalam pementasan ini bukan sekadar menghasilkan kesan visual yang menarik, malah membantu penonton memahami mesej sosial tentang pentingnya budaya keselamatan dalam industri berisiko tinggi.

Saya bersetuju dengan pendekatan estetik yang dipilih oleh Roydi Rokidi kerana pencahayaan berjaya menjadi salah satu kekuatan utama pementasan. Penggunaan warna merah, jingga, biru dan ungu bukan sahaja memperindah ruang pentas, malah berfungsi sebagai simbol kepada perubahan emosi dan perkembangan konflik sehingga membawa kepada tragedi kebakaran kilang.

Walau bagaimanapun, terdapat ruang penambahbaikan. Produksi boleh memperbanyakkan penggunaan spotlight untuk memberi fokus kepada konflik dalaman setiap watak, khususnya ketika Robin membuat keputusan memberikan mercun yang rosak kepada kanak-kanak dan ketika Malik berdepan situasi berbahaya di kilang. Selain itu, penggunaan kesan berkelip secara terkawal pada saat letupan serta sinkronisasi yang lebih tepat antara perubahan lampu dan kesan bunyi akan menghasilkan pengalaman yang lebih imersif kepada penonton.

Secara keseluruhannya, reka bentuk pencahayaan dalam Nyala Pijar Hiroshima berjaya memainkan peranan yang jauh lebih besar daripada sekadar menerangi pentas.lampu menjadi satu sistem tanda yang membina makna, emosi dan suasana sepanjang persembahan. Walaupun masih terdapat beberapa kelemahan dari sudut variasi pencahayaan, penggunaan warna, intensiti dan transisi cahaya telah berjaya menghidupkan konflik serta menyokong mesej tentang keselamatan pekerjaan, tanggungjawab sosial dan akibat kecuaian dalam industri yang berisiko tinggi.

KAVIVENTEN RAVICHANDRAN - QASIDAH TERAKHIR

Teater sering menjadi medium untuk menyampaikan sesuatu yang dekat dengan kehidupan masyarakat. Ada kalanya kita menonton sekadar untuk berhibur, tetapi ada juga pementasan yang membuatkan kita pulang dengan pelbagai persoalan dalam fikiran. Bagi saya, Qasidah Terakhir, karya dan arahan Roydy Rokidi, merupakan salah satu pementasan yang berjaya meninggalkan kesan seperti itu. Walaupun latar ceritanya berlaku di sebuah kampung tradisional, isu yang diketengahkan masih sangat relevan dengan masyarakat hari ini. Fitnah, kepercayaan yang membuta tuli, maruah keluarga dan keadilan menjadi tunjang utama pementasan ini, sekali gus mengingatkan penonton bahawa sesuatu tuduhan mampu menghancurkan kehidupan seseorang jika diterima tanpa usul periksa.

Pementasan ini mengisahkan Bukhari, seorang pemuda yang pulang ke kampung selepas menamatkan pengajian agama di Universiti Al-Azhar, Mesir. Hasratnya cukup murni, iaitu ingin membina sebuah madrasah dan menyebarkan ilmu agama melalui qasidah kepada masyarakat setempat. Namun, kehidupan Bukhari berubah sama sekali apabila dia difitnah berkhalwat dengan Jannah dan dituduh memperkosa Aisyah. Lebih menyedihkan, tuduhan tersebut diterima bulat-bulat oleh penduduk kampung tanpa memberi peluang kepadanya mempertahankan diri. Akibat tekanan dan penghinaan yang diterima, Bukhari meninggalkan kampung selama dua tahun. Apabila dia kembali, harapannya hanyalah untuk membersihkan nama dan mendapatkan semula maruahnya. Malangnya, segalanya berakhir dengan tragedi apabila dia dibunuh sebelum keadilan benar-benar berpihak kepadanya.

Apa yang paling menarik perhatian saya ialah cara pementasan ini menggunakan pendekatan realisme. Jalan ceritanya terasa dekat dengan kehidupan sebenar kerana watak-wataknya bertindak seperti manusia biasa, bukannya watak yang terlalu dramatik atau berlebihan. Penduduk kampung yang mudah mempercayai khabar angin, konflik antara ahli keluarga, rasa iri hati dan sikap mementingkan maruah keluarga merupakan perkara yang masih boleh kita lihat dalam masyarakat hari ini. Sebab itulah saya merasakan mesej drama ini begitu mudah sampai kepada penonton. Walaupun kisahnya berlaku dalam suasana kampung, saya tidak merasakan ia sekadar menceritakan kehidupan masyarakat dahulu. Sebaliknya, ia seperti memberi amaran bahawa fitnah dan penyebaran maklumat palsu masih menjadi masalah besar pada zaman media sosial sekarang. Bezanya hanyalah medium penyebarannya.

Selain jalan cerita yang kuat, aspek teknikal juga banyak membantu menghidupkan persembahan. Rekaan pentas yang sederhana tetapi kemas berjaya menggambarkan suasana kampung Melayu dengan baik. Penggunaan rumah kayu, tingkap lama dan lantai yang menyerupai pasir menjadikan latar pementasan lebih meyakinkan. Pencahayaan pula digunakan dengan bijak mengikut perubahan emosi dalam setiap babak. Babak yang tenang menggunakan cahaya yang lebih lembut, manakala babak konflik menggunakan pencahayaan yang lebih suram sehingga penonton dapat merasakan ketegangan yang berlaku. Muzik qasidah dan nasyid bukan sekadar menjadi selingan, tetapi benar-benar membantu membina emosi serta mengukuhkan nilai kerohanian yang ingin disampaikan. Bagi saya, babak penutup ketika qasidah dinyanyikan di sisi jasad Bukhari merupakan antara babak yang paling menyentuh hati sepanjang persembahan.

Dari segi lakonan pula, watak Bukhari berjaya dipersembahkan dengan penuh penghayatan. Pelakon mampu menunjukkan perubahan emosi daripada seorang pemuda yang penuh harapan kepada seorang lelaki yang kecewa, terhina tetapi masih tetap berpegang kepada prinsipnya. Penonton mudah bersimpati terhadap dirinya kerana penderitaan yang dialami terasa begitu nyata. Namun begitu, saya merasakan watak Samad boleh dikembangkan dengan lebih baik. Sebagai individu yang menjadi punca kepada hampir semua konflik dalam cerita, latar belakang dan motif tindakannya kurang dijelaskan. Disebabkan itu, penonton agak sukar memahami mengapa dia begitu berdendam terhadap Bukhari. Jika watak ini diberikan perkembangan yang lebih mendalam, saya percaya konflik yang berlaku akan terasa lebih kuat dan memberi impak yang lebih besar.

Selain itu, saya juga berpendapat bahawa watak Jannah sepatutnya diberikan ruang yang lebih besar untuk menyuarakan pendapat dan membuat keputusan sendiri. Sepanjang pementasan, kebanyakan keputusan penting dalam hidupnya ditentukan oleh watak lelaki. Walaupun perkara ini mungkin sengaja ditampilkan untuk menggambarkan realiti masyarakat tradisional yang bersifat patriarki, saya merasakan penonton juga wajar diberikan peluang melihat konflik daripada sudut pandang Jannah. Dengan cara itu, mesej mengenai keadilan bukan sahaja tertumpu kepada Bukhari, malah turut melibatkan nasib wanita yang juga menjadi mangsa keadaan.

Secara keseluruhannya, saya sangat menikmati pementasan Qasidah Terakhir. Bagi saya, kekuatan utamanya bukan hanya terletak pada jalan cerita yang menyentuh emosi, tetapi pada keberaniannya mengkritik sikap masyarakat yang terlalu cepat menghukum tanpa mencari kebenaran terlebih dahulu. Isu yang diketengahkan masih relevan sehingga hari ini kerana fitnah dan penyebaran maklumat palsu boleh berlaku kepada sesiapa sahaja. Walaupun terdapat beberapa kelemahan dari segi pembangunan watak, ia tidak menjejaskan keseluruhan pengalaman menonton. Sebaliknya, pementasan ini berjaya membuatkan saya berfikir bahawa kadangkala kezaliman bukan berlaku kerana terlalu ramai orang jahat, tetapi kerana terlalu ramai yang memilih untuk mempercayai khabar angin tanpa mempersoalkannya. Atas sebab itu, saya berpendapat Qasidah Terakhir merupakan sebuah pementasan yang bukan sahaja menghiburkan, malah mengajak penonton menilai semula cara kita melihat kebenaran, keadilan dan kemanusiaan dalam kehidupan seharian.

https://www.cloudjoi.com/shows/4833-teater-qasidah-terakhir

https://www.instagram.com/p/DQ2-KHmieIm/?igsh=MWl0M2NjNzc5eDRwaw==